ต้นไม้
ภาพวาดรัสเซียในยุคเงิน รัสเซีย "ยุคเงิน": วิจิตรศิลป์ยุคเงินในวิจิตรศิลป์

ภาพวาดรัสเซียในยุคเงิน รัสเซีย "ยุคเงิน": วิจิตรศิลป์ยุคเงินในวิจิตรศิลป์

บทนำ……………………………………………………………..2

สถาปัตยกรรม………………………………………………………….3

จิตรกรรม……………………………………………………………..5

การศึกษา……………………………………………………………………10

วิทยาศาสตร์…………………………………………………………………… 13

บทสรุป…………………………………………………………..17

ข้อมูลอ้างอิง…………………………………………………….18

บทนำ

ยุคเงินของวัฒนธรรมรัสเซียนั้นสั้นอย่างน่าประหลาดใจ ใช้เวลาน้อยกว่าหนึ่งในสี่ของศตวรรษ: 1900 - 1922 วันแรกเกิดขึ้นพร้อมกับปีแห่งความตายของนักปรัชญาและกวีชาวรัสเซีย V.S. Solovyov และคนสุดท้าย - ด้วยปีแห่งการขับไล่ออกจากโซเวียตรัสเซียของกลุ่มนักปรัชญาและนักคิดกลุ่มใหญ่ ช่วงเวลาสั้น ๆ ไม่ได้ลดความสำคัญลง ในทางตรงกันข้าม เมื่อเวลาผ่านไป ความสำคัญนี้ก็เพิ่มมากขึ้น มันอยู่ในความจริงที่ว่าวัฒนธรรมรัสเซีย - ถ้าไม่ใช่ทั้งหมด แต่เพียงบางส่วนเท่านั้น - เป็นคนแรกที่ตระหนักถึงความอันตรายของการพัฒนา การวางแนวคุณค่าซึ่งเป็นเหตุผลนิยมด้านเดียว การไม่นับถือศาสนา และการขาดจิตวิญญาณ โลกตะวันตกได้ตระหนักถึงสิ่งนี้ในภายหลัง

ยุคเงินประกอบด้วยปรากฏการณ์ทางจิตวิญญาณหลักสองประการ: การฟื้นคืนชีพทางศาสนาของรัสเซียในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 หรือที่เรียกว่า "การแสวงหาพระเจ้า" และความทันสมัยของรัสเซียที่โอบรับสัญลักษณ์และการมองการณ์ไกล สำหรับเขาเป็นกวีเช่น M. Tsvetaeva, S. Yesenin และ B. Pasternak ซึ่งไม่ได้เป็นส่วนหนึ่งของการเคลื่อนไหวเหล่านี้ สมาคมศิลปะ "โลกแห่งศิลปะ" (พ.ศ. 2441 - 2467) ควรนำมาประกอบกับยุคเงิน

สถาปัตยกรรมยุคเงิน»

ยุคแห่งความก้าวหน้าทางอุตสาหกรรมในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ XIX-XX ปฏิวัติอุตสาหกรรมการก่อสร้าง อาคารรูปแบบใหม่ เช่น ธนาคาร ร้านค้า โรงงาน สถานีรถไฟ มีสถานที่เพิ่มมากขึ้นในภูมิทัศน์เมือง การเกิดขึ้นของวัสดุก่อสร้างใหม่ (คอนกรีตเสริมเหล็ก โครงสร้างโลหะ) และการปรับปรุงอุปกรณ์ก่อสร้างทำให้สามารถใช้ในเชิงสร้างสรรค์และ เทคนิคทางศิลปะความเข้าใจด้านสุนทรียะที่นำไปสู่การอนุมัติสไตล์อาร์ตนูโว!

ในการทำงานของ F.O. Shekhtel แนวโน้มการพัฒนาหลักและประเภทของความทันสมัยของรัสเซียเป็นตัวเป็นตนในระดับสูงสุด การก่อตัวของสไตล์ในการทำงานของอาจารย์ไปในสองทิศทาง - โรแมนติกระดับชาติสอดคล้องกับสไตล์นีโอรัสเซียและมีเหตุผล คุณสมบัติของอาร์ตนูโวแสดงให้เห็นอย่างเต็มที่ในสถาปัตยกรรมของคฤหาสน์ Nikitsky Gate ที่ซึ่งละทิ้งรูปแบบดั้งเดิมและใช้หลักการวางแผนที่ไม่สมมาตร องค์ประกอบแบบก้าว, การพัฒนาอย่างอิสระของปริมาตรในอวกาศ, การยื่นออกมาไม่สมมาตรของหน้าต่างที่ยื่นจากผนัง, ระเบียงและเฉลียง, บัวที่ยื่นออกมาอย่างเด่นชัด - ทั้งหมดนี้แสดงให้เห็นถึงหลักการของการดูดซึมของโครงสร้างสถาปัตยกรรมไปสู่รูปแบบอินทรีย์ที่มีอยู่ในอาร์ตนูโว

ในการตกแต่งคฤหาสน์ มีการใช้เทคนิคอาร์ตนูโวทั่วไป เช่น หน้าต่างกระจกสีและกระเบื้องโมเสคที่ประดับด้วยดอกไม้ล้อมรอบทั่วทั้งอาคาร เครื่องประดับที่บิดเบี้ยวแปลก ๆ เกิดขึ้นซ้ำแล้วซ้ำอีกในการผสานหน้าต่างกระจกสีในรูปแบบของบาร์ริมระเบียงและรั้วริมถนน ลวดลายเดียวกันนี้ถูกนำมาใช้ในการตกแต่งภายใน เช่น ในรูปแบบของราวบันไดหินอ่อน เฟอร์นิเจอร์และรายละเอียดการตกแต่งของการตกแต่งภายในอาคารรวมกันเป็นหนึ่งเดียวกับแนวคิดทั่วไปของอาคาร - เพื่อเปลี่ยนสภาพแวดล้อมที่อยู่อาศัยให้เป็นการแสดงทางสถาปัตยกรรมใกล้กับบรรยากาศของการแสดงสัญลักษณ์

ด้วยการเติบโตของแนวโน้มที่มีเหตุผลในอาคารหลายหลังของ Shekhtel คุณลักษณะของคอนสตรัคติวิสต์จึงถูกร่างขึ้น ซึ่งเป็นรูปแบบที่จะเป็นรูปเป็นร่างขึ้นในปี ค.ศ. 1920

ในมอสโกรูปแบบใหม่แสดงออกอย่างสดใสโดยเฉพาะอย่างยิ่งในผลงานของหนึ่งในผู้ก่อตั้ง Russian Art Nouveau, L.N. Kekusheva A.V. Shchusev, V.M. Vasnetsov และอื่น ๆ ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก Art Nouveau ได้รับอิทธิพลจากความคลาสสิกที่ยิ่งใหญ่อันเป็นผลมาจากรูปแบบอื่นปรากฏขึ้น - นีโอคลาสสิก
ในแง่ของความสมบูรณ์ของแนวทางและการแก้ปัญหาทั้งมวลของสถาปัตยกรรม ประติมากรรม ภาพวาด ศิลปะการตกแต่ง สมัยใหม่เป็นหนึ่งในรูปแบบที่สอดคล้องกันมากที่สุด

ภาพวาดของ "ยุคเงิน"

แนวโน้มที่กำหนดการพัฒนาวรรณกรรมยุคเงินยังเป็นลักษณะเฉพาะของวิจิตรศิลป์ซึ่งประกอบด้วยยุคทั้งหมดในวัฒนธรรมรัสเซียและโลก ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ ผลงานของมิคาอิล วรูเบล หนึ่งในปรมาจารย์ด้านจิตรกรรมรัสเซียที่ยิ่งใหญ่ที่สุดก็เฟื่องฟู ภาพของ Vrubel เป็นภาพสัญลักษณ์ ไม่เข้ากับกรอบความคิดเก่าๆ ศิลปินคือ "ยักษ์ที่ไม่คิดว่าในชีวิตประจำวันของชีวิตรอบข้าง แต่ในแนวคิด "นิรันดร์" เขารีบเร่งเพื่อค้นหาความจริงและความงาม ความฝันความงามของ Vrubel ซึ่งหาได้ยากในโลกรอบตัวเขาซึ่งเต็มไปด้วยความขัดแย้งที่สิ้นหวัง จินตนาการของ Vrubel นำเราไปสู่โลกอื่น ๆ ที่ความงามไม่ได้ปราศจากโรคแห่งวัยสิ่งเหล่านี้เป็นความรู้สึกของผู้คนในสมัยนั้น เป็นตัวเป็นตนในสีและเส้นเมื่อสังคมรัสเซียปรารถนาการต่ออายุและกำลังมองหาวิธี ไปมัน

ในงานของ Vrubel จินตนาการถูกรวมเข้ากับความเป็นจริง โครงเรื่องของภาพวาดและแผงบางส่วนของเขานั้นยอดเยี่ยมมาก วาดภาพปีศาจหรือเจ้าหญิงหงส์ในเทพนิยาย Princess Dream หรือ Pan เขาวาดวีรบุรุษของเขาในโลกราวกับว่าสร้างขึ้นโดยพลังอันยิ่งใหญ่ของตำนาน แต่ถึงแม้หัวเรื่องของภาพจะกลายเป็นความจริง ดูเหมือนว่า Vrubel จะทำให้ธรรมชาติมีความสามารถในการรู้สึกและคิด และทำให้ความรู้สึกของมนุษย์แข็งแกร่งขึ้นอย่างมากมายนับไม่ถ้วนหลายครั้ง ศิลปินพยายามทำให้แน่ใจว่าสีบนผืนผ้าใบของเขาเปล่งประกายด้วยแสงจากภายใน เปล่งประกายราวกับอัญมณีล้ำค่า

จิตรกรที่สำคัญที่สุดอีกคนหนึ่งในช่วงเปลี่ยนศตวรรษคือ Valentin Serov ต้นกำเนิดของงานของเขา - ในยุค 80 ของศตวรรษที่ XIX เขาทำหน้าที่เป็นผู้สืบสานประเพณีที่ดีที่สุดของ Wanderers และในขณะเดียวกันก็เป็นผู้ค้นพบเส้นทางใหม่ในงานศิลปะอย่างกล้าหาญ ศิลปินที่ยอดเยี่ยม เขาเป็นครูที่ยอดเยี่ยม ศิลปินที่มีชื่อเสียงหลายคนในยุค 900 ของศตวรรษใหม่เป็นหนี้ความเชี่ยวชาญของพวกเขา
ในปีแรกของการทำงาน ศิลปินมองเห็นเป้าหมายสูงสุดของศิลปินในศูนย์รวมของหลักการกวี Serov เรียนรู้ที่จะเห็นสิ่งที่ยิ่งใหญ่และมีความสำคัญในสิ่งเล็กๆ ในภาพพอร์ตเทรตที่ยอดเยี่ยมของเขา "The Girl with Peaches" และ "The Girl Illuminated by the Sun" ไม่มีภาพที่เป็นรูปธรรมมากเท่ากับสัญลักษณ์ของความเยาว์วัย ความงาม ความสุข ความรัก

ต่อมา Serov พยายามที่จะแสดงความคิดเห็นเกี่ยวกับความงามของบุคคลในรูปบุคคลที่มีความคิดสร้างสรรค์โดยยืนยันแนวคิดที่สำคัญสำหรับวัฒนธรรมศิลปะรัสเซีย: บุคคลนั้นสวยงามเมื่อเขาเป็นผู้สร้างและศิลปิน (ภาพเหมือนของ K. A. Korovin, I. I. Levitan) ความกล้าหาญของ V. Serov ในการอธิบายลักษณะของนางแบบของเขานั้นช่างน่าทึ่ง ไม่ว่าจะเป็นปัญญาชนขั้นสูงหรือนายธนาคาร ผู้หญิงในสังคมชั้นสูง เจ้าหน้าที่ระดับสูง และสมาชิกในราชวงศ์

ภาพเหมือนของ V. Serov ซึ่งสร้างขึ้นในทศวรรษแรกของศตวรรษใหม่ เป็นเครื่องยืนยันถึงการหลอมรวมของประเพณีภาพวาดรัสเซียที่ดีที่สุดและการสร้างหลักการด้านสุนทรียะแบบใหม่ นั่นคือภาพเหมือนของ M. A. Vrubel, T. N. Karsavina ต่อมา - ภาพเหมือนของ V. O. Girshman ที่ "เก๋ไก๋อย่างประณีต" และภาพเหมือนของ Ida Rubinstein ที่สวยงามและยั่งยืน

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ ผลงานของศิลปินที่กลายเป็นความภาคภูมิใจของรัสเซียได้พัฒนาขึ้น: K. A. Korovin, A. P. Ryabushkin, M. V. Nesterov ผืนผ้าใบอันงดงามในหัวข้อของรัสเซียโบราณเป็นของ N. K. Roerich ผู้ซึ่งฝันถึงบทบาทใหม่ทางศิลปะอย่างจริงใจและหวังว่า "จากคนรับใช้ที่เป็นทาส ศิลปะสามารถกลายเป็นกลไกแรกของชีวิตได้อีกครั้ง"

รูปปั้นรัสเซียในยุคนี้ก็อุดมสมบูรณ์เช่นกัน S. M. Volnukhin รวบรวมประเพณีที่ดีที่สุดของประติมากรรมที่เหมือนจริงในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ในผลงานของเขา (รวมถึงอนุสาวรีย์ของผู้บุกเบิกเครื่องพิมพ์ Ivan Fedorov) แนวโน้มอิมเพรสชั่นนิสต์ในงานประติมากรรมแสดงโดย P. Trubetskoy งานของ A. S. Golubkina และ S. T. Konenkov นั้นโดดเด่นด้วยความน่าสมเพชที่เห็นอกเห็นใจและบางครั้งก็เป็นละครที่ลึกซึ้ง

แต่กระบวนการทั้งหมดนี้ไม่สามารถเปิดเผยนอกบริบททางสังคมได้ หัวข้อ - รัสเซียและเสรีภาพ ปัญญาชน และการปฏิวัติ - แทรกซึมทั้งทฤษฎีและการปฏิบัติของวัฒนธรรมศิลปะรัสเซียในยุคนี้ วัฒนธรรมทางศิลปะของปลาย XIX - ต้นศตวรรษที่ XX นั้นโดดเด่นด้วยหลายแพลตฟอร์มและทิศทาง สองสัญลักษณ์สำคัญ สองแนวคิดทางประวัติศาสตร์ - "เมื่อวาน" และ "พรุ่งนี้" - ครอบงำแนวคิดของ "วันนี้" อย่างชัดเจน และกำหนดขอบเขตที่การเผชิญหน้าของแนวคิดและแนวคิดต่างๆ เกิดขึ้น

บรรยากาศทางจิตวิทยาโดยทั่วไปในช่วงหลังการปฏิวัติทำให้ศิลปินบางคนไม่ไว้วางใจชีวิต ความสนใจในรูปแบบกำลังเติบโตขึ้น อุดมคติทางสุนทรียะใหม่ของศิลปะสมัยใหม่ร่วมสมัยกำลังเกิดขึ้น โรงเรียนของเปรี้ยวจี๊ดรัสเซียซึ่งเป็นที่รู้จักไปทั่วโลกกำลังพัฒนาโดยอิงจากผลงานของ V. E. Tatlin, K. S. Malevich, V. V. Kandinsky

ศิลปินที่เข้าร่วมนิทรรศการในปี 2450 ภายใต้ชื่อสัญลักษณ์ที่สดใส "บลูโรส" ได้รับการส่งเสริมอย่างเข้มข้นโดยนิตยสาร "ขนแกะทองคำ" (N. P. Krymov, P. V. Kuznetsov, M. S. Saryan, S. Yu. Sudeikin, N. N. Sapunov และคนอื่น ๆ ). พวกเขาแตกต่างกันในแรงบันดาลใจในการสร้างสรรค์ของพวกเขา แต่พวกเขาถูกรวมเป็นหนึ่งโดยแรงดึงดูดในการแสดงออกเพื่อสร้างรูปแบบศิลปะใหม่เพื่อการต่ออายุของภาษาภาพ ในการแสดงออกอย่างสุดโต่งนี้ส่งผลให้เกิดลัทธิ "ศิลปะบริสุทธิ์" ในภาพที่สร้างขึ้นโดยจิตใต้สำนึก

การปรากฏตัวในปี 2454 และกิจกรรมที่ตามมาของศิลปิน "Jack of Diamonds" เผยให้เห็นถึงความเชื่อมโยงของจิตรกรชาวรัสเซียกับชะตากรรมของการเคลื่อนไหวทางศิลปะของยุโรป ในงานของ P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov และ "แทมบูรีน" อื่น ๆ ที่มีการค้นหาอย่างเป็นทางการ ความปรารถนาที่จะสร้างรูปแบบด้วยความช่วยเหลือของสี และการจัดองค์ประกอบและพื้นที่ในจังหวะบางอย่าง หลักการที่เกิดขึ้นในยุโรปตะวันตกพบการแสดงออก ในเวลานี้ ลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมในฝรั่งเศสมาถึงขั้น "สังเคราะห์" โดยเปลี่ยนจากการทำให้เข้าใจง่าย แผนผัง และการสลายตัวของรูปแบบเป็นการแยกที่สมบูรณ์จากการเป็นตัวแทน สำหรับศิลปินชาวรัสเซียซึ่งสนใจทัศนคติเชิงวิเคราะห์เกี่ยวกับเรื่องนี้ในลัทธิเขียนภาพแบบเหลี่ยมยุคแรกๆ แนวโน้มนี้เป็นเรื่องแปลก หาก Konchalovsky และ Mashkov แสดงวิวัฒนาการที่ชัดเจนไปสู่โลกทัศน์ที่สมจริง แนวโน้มของกระบวนการทางศิลปะของศิลปินคนอื่นๆ ของ Jack of Diamonds ก็มีความหมายที่ต่างออกไป ในปี พ.ศ. 2455 ศิลปินหนุ่มที่แยกตัวจาก "Jack of Diamonds" เรียกกลุ่ม "Donkey's Tail" ชื่อที่ท้าทายเน้นถึงลักษณะการแสดงที่ดื้อรั้นซึ่งต่อต้านบรรทัดฐานที่กำหนดไว้ของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ ศิลปินชาวรัสเซีย: N. Goncharov, K. Malevich, M. Chagall ดำเนินการค้นหาต่อไปพวกเขาทำอย่างกระตือรือร้นและตั้งใจ ต่อมาเส้นทางของพวกเขาแยกจากกัน
Larionov ซึ่งปฏิเสธที่จะพรรณนาถึงความเป็นจริงมาที่ Rayonism ที่เรียกว่า Malevich, Tatlin, Kandinsky ลงมือบนเส้นทางของลัทธินามธรรม

การแสวงหาของศิลปิน Blue Rose และ Jack of Diamonds ไม่ได้ทำให้กระแสใหม่ในศิลปะของทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 20 หมดไป สถานที่พิเศษในงานศิลปะนี้เป็นของ K. S. Petrov-Vodkin ศิลปะของเขาเฟื่องฟูในช่วงหลังเดือนตุลาคม แต่ในช่วงทศวรรษ 1900 เขาได้ประกาศความสร้างสรรค์ที่สร้างสรรค์ด้วยผืนผ้าใบที่สวยงาม "Playing Boys" และ "Bathing a Red Horse"

บทนำ

ช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 - ช่วงเวลาพิเศษและวิกฤตสำหรับรัสเซีย เศรษฐกิจเฟื่องฟูและวิกฤต สูญหาย สงครามโลก 1904-05 และการปฏิวัติในปี ค.ศ. 1905-07 สงครามโลกครั้งที่หนึ่งในปี ค.ศ. 1914-18 และด้วยเหตุนี้ การปฏิวัติในเดือนกุมภาพันธ์และตุลาคม 2460 ซึ่งล้มล้างระบอบราชาธิปไตย และจากนั้นอำนาจของชนชั้นนายทุน ในสังคม ความรู้สึกที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ของวิกฤตสังคม ความจำเป็นในการเปลี่ยนแปลงค่านิยม เพิ่มขึ้นเรื่อย ๆ อุดมการณ์ประชานิยมล่มสลาย การค้นหาแนวคิดเชิงอุดมการณ์ใหม่ในการพัฒนาสังคมเริ่มต้นขึ้น

ความขัดแย้งทางสังคมในยุคนั้นและความขัดแย้งทางความคิดทางสังคมของรัสเซียสะท้อนให้เห็นในชีวิตฝ่ายวิญญาณของรัสเซีย ในสังคมมีความรู้สึกถึงความหายนะของเวลา ความสมบูรณ์ของวัฒนธรรม บนพื้นฐานนี้ ลวดลายสันทรายเกิดขึ้นในวรรณคดีและศิลปะ อย่างไรก็ตาม รัสเซียก็ได้ประสบกับช่วงเวลาแห่งการพัฒนาวัฒนธรรมที่มีผลและมีพลัง มันเป็นช่วงเวลาของการฟื้นฟูจิตวิญญาณการต่ออายุ "ยุคเงิน" ถูกเรียกโดยปราชญ์ N. A. Berdyaev ในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมรัสเซียในช่วงเวลานี้

สำหรับจิตรกรในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ วิธีการแสดงออกอื่นๆ นั้นมีลักษณะเฉพาะมากกว่าในหมู่นักเลงรูปแบบอื่นๆ การสร้างสรรค์งานศิลปะ-inรูปภาพที่ขัดแย้ง ซับซ้อน และสะท้อนถึงความทันสมัยโดยอ้อมเท่านั้น โดยไม่มีภาพประกอบและคำบรรยาย ศิลปินแสวงหาความกลมกลืนและความงามอย่างเจ็บปวดในโลกที่มีพื้นฐานมาจากความต่างของทั้งความกลมกลืนและความงาม นั่นคือเหตุผลที่หลายคนเห็นภารกิจของพวกเขาในการปลูกฝังความงาม นี่คือเวลาของ "อีฟ" ที่รอการเปลี่ยนแปลงใน ชีวิตสาธารณะก่อให้เกิดกระแส ความสัมพันธ์ การรวมกลุ่ม การปะทะกันของโลกทัศน์และรสนิยมที่แตกต่างกัน

ยุคเงินได้รับการตีความอย่างกว้าง ๆ และเริ่มถูกนำมาใช้เพื่ออธิบายลักษณะกระบวนการทางวัฒนธรรมบางอย่างที่เกิดขึ้นในรัสเซียในช่วงเวลานี้ ท้ายที่สุดแล้ว ความคิด แรงจูงใจ อารมณ์ที่หล่อเลี้ยง ควบคู่ไปกับความคิดสร้างสรรค์ทางวรรณกรรม ดนตรีและการแสดงละครเหมือนกัน ศิลปะสะท้อนในเวลาเดียวกันกับการค้นหาความคิดทางศาสนาและปรัชญาของรัสเซีย ในเวลาเดียวกัน ยุคเงินไม่เพียงแต่สะท้อนสภาพทางประวัติศาสตร์ที่มีอยู่ด้วยวิธีการทางปรัชญาและศิลปะเท่านั้น แต่ด้วยการสร้างรูปโฉมบนพื้นฐานของโลกทัศน์ใหม่ ตัวมันเองได้สร้างรูปแบบการคิดใหม่และในแง่หนึ่ง สังคมใหม่ ซึ่งทำให้เราสามารถกำหนดเป็นวัฒนธรรมได้

ที่มาและแนวคิดของสัญลักษณ์

คำภาษากรีกโบราณ "สัญลักษณ์" เดิมเรียกว่าเหรียญแบ่งเป็นสองส่วน คนสองคนที่มีครึ่งหนึ่งของเหรียญนี้แต่ละคนสามารถจดจำกันและกันได้เมื่อพบกันโดยนำทั้งสองส่วนมารวมกัน อย่างไรก็ตาม เมื่อเวลาผ่านไป สัญลักษณ์ได้เปลี่ยนจากเครื่องหมายระบุตัวตนธรรมดาไปเป็นหนึ่งในแนวคิดที่ซับซ้อน กว้างขวาง และลึกซึ้งที่สุดของวัฒนธรรมศิลปะและปรัชญาโลก ชุดรูปแบบของสัญลักษณ์ไม่สามารถพอดีกับกรอบของโรงเรียนทิศทางสไตล์ลักษณะ ... มันค่อนข้างเป็นไดอะโครนิกทั่วไปของการพัฒนาของทั้งโลก วัฒนธรรมทางศิลปะตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงปัจจุบัน

หลักการพื้นฐานของสัญลักษณ์หมดสิ้นไปโดยแนวคิดของ "สัญลักษณ์" ประการแรก สัญลักษณ์คือ แนวคิดสากล ภาพสากล สัญลักษณ์ ความหมายจำนวนหนึ่ง ความหมายไม่มีที่สิ้นสุด เช่นเดียวกับจักรวาลเอง ในงานศิลปะ การแสดงสัญลักษณ์เป็นความพยายามของบุคคลในการแสดงออกถึงสิ่งที่อธิบายไม่ได้ เหนือธรรมชาติ ด้วยวิธีการที่จำกัดของจิตใจ เพื่อให้รู้สึกโดยสัญชาตญาณสำหรับขุมนรกนั้นที่อยู่เหนือโลกที่มองเห็นได้ ผู้สร้าง, ศิลปินแห่งสัญลักษณ์, ถือเป็นตัวกลางระหว่างสัญญาณที่แท้จริงและเหนือเหตุผล, สัญญาณแห่งความปรองดองแห่งโลกทุกหนทุกแห่ง, การคาดเดาสัญญาณของอนาคตอย่างพยากรณ์, ทั้งในปรากฏการณ์สมัยใหม่และในเหตุการณ์ในอดีตอันไกลโพ้น ดังนั้นสัญลักษณ์จึงเป็นคำพ้องความหมายสำหรับสิ่งศักดิ์สิทธิ์

เป็นทิศทาง สัญลักษณ์ในทัศนศิลป์พัฒนาไปพร้อม ๆ กับสัญลักษณ์ในวรรณคดีในยุค 60-70 ศตวรรษที่ 19 ในยุคแห่งความเสื่อมโทรม อย่างไรก็ตาม, ลักษณะนิสัยสัญลักษณ์ปรากฏขึ้นเร็วกว่ามาก: การยึดถือและภาพวาดของยุคกลางทั้งหมดมีลักษณะเชิงสัญลักษณ์ที่ลึกซึ้ง

สาระสำคัญของสัญลักษณ์ในทัศนศิลป์คือ ธีมนิรันดร์: ความตาย ความรัก ความทุกข์

สัญลักษณ์รัสเซียมีความพิเศษของตัวเอง เอกลักษณ์เฉพาะตัวเป็นเหตุการณ์สำคัญในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลก การเกิดขึ้นของสัญลักษณ์ในรัสเซียเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 ส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับกิจกรรมของกวีสัญลักษณ์อาวุโสและนักประชาสัมพันธ์ D. Merezhkovsky และ Z. Grippius; ส่วนหนึ่ง Valery Bryusov สัญลักษณ์ของ Merezhkovsky และ Grippius ประการแรกคือสัญลักษณ์คริสเตียนศาสนาและลึกลับความเข้าใจในสัญลักษณ์เป็นการกระทำของความรู้ของพระเจ้า

บรรพบุรุษที่สว่างที่สุดของสัญลักษณ์รัสเซียสามารถเรียกได้ว่าเป็น F.M. ดอสโตเยฟสกีและปราชญ์ S.M. โซโลยอฟ หลังยังเป็นกวีและด้วยความเข้าใจบทกวีของเขาเกี่ยวกับหลักคำสอนของโซเฟียภูมิปัญญาของพระเจ้าเขาได้กำหนดลักษณะของการพัฒนาทิศทางหลักของสัญลักษณ์วรรณกรรมรัสเซียจาก Grippius และ Blok คำว่า "สัญลักษณ์" ซึ่งแตกต่างจากรุ่นก่อน พวกเขา ข้ามภาษาฝรั่งเศส สร้างขึ้นเพื่อแหล่งที่มาของกรีก ท่ามกลางความขัดแย้งที่รุนแรง Blok ยังตั้งข้อสังเกตว่าสัญลักษณ์ของรัสเซียโดยบังเอิญเท่านั้นที่มีชื่อกรีกเหมือนกับแนวโน้มของฝรั่งเศส

การก่อตัวของศิลปินยุคเงิน

ในยุค 80 ของศตวรรษที่ 19 ในยุคของความซบเซาทางจิตวิญญาณที่การก่อตัวของศิลปินรูปแบบใหม่เริ่มต้นขึ้น มีปัญญาชนที่สืบเชื้อสายมาจากครอบครัวศาสตราจารย์หรือแวดวงสร้างสรรค์ปรากฏขึ้น

ศิลปินหยุดถูกมองว่าเป็นช่างฝีมือเขากลายเป็นผู้ปกครองของความคิด เขาเป็นคนมีการศึกษาที่เก่งกาจ คุณสมบัติที่โดดเด่นของศิลปินยุคเงินคือความเป็นสากลที่สร้างสรรค์ ความกระหายในความเป็นสากลไม่ได้รื้อฟื้นแนวคิดโรแมนติกแบบเก่าของการสังเคราะห์ศิลปะ ยุคเงินเสนอทางเลือกมากมายสำหรับการนำไปใช้: ในความทันสมัยในกิจกรรมของ "โลกแห่งศิลปะ" ...

อย่างไรก็ตาม ลัทธิสากลนิยมไม่เพียงแต่ประกอบด้วยความเชี่ยวชาญเฉพาะด้านเท่านั้น มันแสดงออกในความปรารถนาของศิลปินที่จะนำความคิดสร้างสรรค์มาสู่กรอบการทำงานที่แคบของความเชี่ยวชาญเฉพาะทางของเขา ประการแรกหัวข้อของงานอดิเรกอย่างต่อเนื่องของศิลปินในยุคเงินคือปรัชญา เราไม่เพียงนึกถึงประวัติศาสตร์ศิลปะ งานปรัชญา-สุนทรียศาสตร์ และปรัชญาในสมัยใหม่ส่วนใหญ่เท่านั้น แต่ยังรวมถึงลักษณะทางปรัชญาและแนวคิดของเนื้อหาด้วย งานศิลปะด้วยเหตุนี้ เราต้องถือว่าพวกเขาเป็นศิลปินที่มีความคิดเชิงปรัชญา

ศิลปิน "สร้าง" ความเป็นจริงของศตวรรษหน้า สร้างตำนานใหม่ ออกจากเหตุการณ์สำคัญ เขาไม่ได้สร้างภาพประกอบของสิ่งที่ปรากฎ แต่เป็นการถ่ายทอดเชิงสัญลักษณ์ เทียบเท่ากับบทกวี นิยายศิลป์กลายเป็นตำนานเกี่ยวกับชีวิต วิธีที่จะเข้าใจรากฐานและกฎหมายที่ซ่อนอยู่

ดังนั้น โลกทัศน์ในตำนานกลับคืนสู่วัฒนธรรม ซึ่งเป็นประสบการณ์ทางกวีและอารมณ์ของโลก ซึ่งสอดคล้องกับจิตวิญญาณของเวลามากกว่าการพัฒนาเชิงสะท้อน-วาทกรรม การรับรู้เกี่ยวกับโลกในตำนานและการคิดด้วยสัญลักษณ์ที่สัมพันธ์กับโลก กระตุ้นความสนใจในศิลปะพื้นบ้านแบบดั้งเดิม ปราศจากการทำซ้ำโดยตรงของความเป็นจริงโดยรอบ วัฒนธรรมเก่าถูกดึงดูดด้วยแนวคิดที่เป็นตำนานของโลก การรับรู้แบบองค์รวมและกลมกลืนกัน อย่างไรก็ตาม ตำนานเทพเจ้านีโอโดยพื้นฐานแล้วแตกต่างไปจากเทพนิยายในรูปแบบของการคิดแบบไร้เดียงสา-กวีในสมัยโบราณ

ดังนั้นประสบการณ์ของยุคโบราณในวัฒนธรรมและสำหรับศิลปินจึงถูกซ้อนทับด้วยความพยายาม ศิลปะร่วมสมัยเจาะเข้าไปในส่วนลึกที่สุดของโลกภายในของมนุษย์ ศิลปินแห่งยุคเงินได้ก่อตัวขึ้นด้วยความรู้สึกพิเศษและความตระหนักเป็นพิเศษในปัจจุบัน

ช่วงเวลาของประวัติศาสตร์สัญลักษณ์รัสเซียแห่งยุคเงิน เส้นเวลาของการพัฒนา

สัญลักษณ์ในรัสเซียเกิดขึ้นในช่วงสามช่วงเวลา:

ครั้งแรกครอบคลุมช่วงกลางปี ค.ศ. 1880 - 1900 - เวลาของการเกิดและการพัฒนาของแนวโน้มสัญลักษณ์ในการทำงานของวง Abramtsevo และศิลปินของมอสโกสมาคม "World of Art";

ช่วงที่สองจำกัดอยู่ที่ 1900-14 - ความมั่งคั่งของขบวนการสัญลักษณ์ในวรรณคดี โรงละคร และศิลปะพลาสติก เมื่อ Vrubel, Borisov-Musatov, ปรมาจารย์แห่งโลกแห่งศิลปะและเยาวชนของ Blue Rose กำลังสร้างขึ้น และเมื่อหลักการของสัญลักษณ์ถูกนำมาใช้อย่างมีเอกลักษณ์ใน ผลงานของเปรี้ยวจี๊ดรัสเซียยุคแรก;

ส่วนที่สามเกี่ยวข้องกับยุคของสงครามโลกครั้งที่หนึ่งและการปฏิวัติที่เริ่มขึ้นในรัสเซีย (พ.ศ. 2457-2563) ซึ่งเป็นส่วนสำคัญในปัญหาและความสำเร็จ

ผืนผ้าใบพระกิตติคุณโดย V.G. Perova, N.N. Ge ภาพวาดทางศาสนาและประวัติศาสตร์โดยนักวิชาการปลาย V.P. Vereshchagin, G.I. Semiradsky, P.A. Svedomsky และอื่น ๆ ในยุค 1880-90 แนวโน้มที่จะถ่ายทอด "ความจริงภายใน" นี้และการใช้ชีวิตและประสบการณ์ทางอารมณ์ของผู้เขียนจะพบการพัฒนาในงานทางศาสนาของ M.A. วรูเบล, วี.เอ็ม. Vasnetsova, I.E. รีพิน

ในยุค 1880 ที่จุดสูงสุดของชัยชนะของผู้พเนจร งานสัญลักษณ์ต้นของ M. A. Vrubel ปรากฏขึ้น Dualism แทรกซึมงานของเขา ในเวลาเดียวกันก็แสดงให้เห็นถึงการบูชาปรัชญาธรรมชาติของเกอเธ่และความเป็นคู่ของ Kant, Schopenhauer และ Nietzsche เกือบในเวลาเดียวกัน ศิลปินวาดภาพนักบุญและปีศาจ ซึ่งเป็นศูนย์รวมของลัทธินิยมนิยม ผู้เขียนรูปแบบที่ยอดเยี่ยมและเป็นนามธรรมเขาถูกอาคมโดยพิภพเล็ก ๆ ของพืชซึ่งเป็นเครื่องประดับของลวดลาย ในยุค 1880 I.I. Levitan, S.V.Malyutin, A.Ya. โกโลวิน, V.E. Borisov-Musatov, K.A. Somov, A.N. เบอนัวส์, แอล.เอส. Bakst และอื่น ๆ

การทบทวนสัญลักษณ์รัสเซียเกิดขึ้นในปี พ.ศ. 2439-2540 ที่ "นิทรรศการการทดลอง (ภาพร่าง) ของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ" ซึ่ง Repin, Vasnetsov, Polenov, Golovin, Nesterov, Somov เข้าร่วม สัญลักษณ์ที่มีลัทธิความไม่สมบูรณ์นั้นโดดเด่นด้วยแนวคิดของนิทรรศการดังกล่าว

ในยุค 1890 ความฝันของการรวมตัวของนักเขียนและศิลปินเกิดขึ้นในเวลาสั้น ๆ ในกองบรรณาธิการของนิตยสาร "World of Art": บทกวีและร้อยแก้วโดย Merezhkovsky, Balmont, Sologub ถูกพิมพ์ในการออกแบบของ Benoit, Bakst, Lansere วิกเน็ตต์ตอนจบและสกรีนเซฟเวอร์จำนวนมากของพวกเขาได้รับการยอมรับว่าเป็นผลงานชิ้นเอกของกราฟิกสัญลักษณ์

ไข่. ให้การค้นหาที่หลากหลายในแง่ของสัญลักษณ์ การพัฒนา จะคงที่และเป็นที่นิยมในอีกสองทศวรรษข้างหน้าของการพัฒนาของการเคลื่อนไหวนี้

สัญลักษณ์รัสเซียในทัศนศิลป์เช่นเดียวกับในตะวันตกไม่ได้ให้กระแสโวหารเดียว (ข้อยกเว้นเล็กน้อยคือกลุ่ม "Nabids" และผู้เข้าร่วมในนิทรรศการ "Blue Rose")

คุณสมบัติของการวาดภาพประเภทในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20

ด้วยวิกฤตของขบวนการประชานิยมในยุค 90 คนพเนจรหลายคนประสบกับความเสื่อมถอยอย่างสร้างสรรค์ กระบวนการชีวิตที่ซับซ้อนกำหนดรูปแบบชีวิตศิลปะที่หลากหลายในปีนี้

การแสดงภาพแบบกว้างๆ นั้นเป็นผลมาจากวิวัฒนาการในการพัฒนาวิธีการแสดงภาพในทุกแนวในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ ในการค้นหา "ความงามและความสามัคคี" ศิลปินลองใช้เทคนิคและรูปแบบศิลปะที่หลากหลาย - ตั้งแต่ภาพวาดขนาดใหญ่และทิวทัศน์ละครไปจนถึงการออกแบบหนังสือและศิลปะและงานฝีมือ

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ รูปแบบที่พัฒนาขึ้นซึ่งส่งผลต่อศิลปะพลาสติกทั้งหมด เรียกว่าสไตล์อาร์ตนูโว ปรากฏการณ์นี้คลุมเครือ ในความทันสมัยยังมีความเสแสร้งที่เสื่อมทราม การเสแสร้ง ซึ่งออกแบบมาเพื่อรสนิยมของชนชั้นนายทุนเป็นหลัก แต่ก็มีความปรารถนาในความเป็นเอกภาพของสไตล์ที่มีชื่อเสียงในตัวเองเช่นกัน ในการวาดภาพ Art Nouveau แสดงให้เห็นตัวเองว่าเป็นสัญลักษณ์ของภาพซึ่งเป็นความชอบในอุปมานิทัศน์

ในยุค 90 จิตรกรรมประเภทพัฒนา ธีมชาวนาถูกเปิดเผยในรูปแบบใหม่ การแบ่งแยกในชุมชนชนบทถูกกล่าวหาอย่างเด่นชัดโดย Sergei Alekseevich Korovin (1858-1908) ในภาพวาด "On the World" (1893)

Abram Efimovich Arkhipov (1862-1930) สามารถแสดงความสิ้นหวังของการดำรงอยู่ในการทำงานที่เหน็ดเหนื่อยอย่างหนักในภาพยนตร์เรื่อง "Washerwomen" (1901) เขาประสบความสำเร็จในระดับมากด้วยการค้นพบภาพใหม่ เพื่อความเข้าใจใหม่เกี่ยวกับความเป็นไปได้ของสีและแสง

ความประมาท "คำบรรยาย" รายละเอียดที่แสดงออกอย่างดีทำให้ภาพของ Sergei Vasilyevich Ivanov (1864-1910) น่าเศร้ายิ่งขึ้น

Ivanov เป็นเจ้าของผลงานชิ้นหนึ่งที่อุทิศให้กับการปฏิวัติปี 1905 - "การดำเนินการ"

เทคนิคอิมเพรสชันนิสม์ของ "องค์ประกอบบางส่วน" ราวกับว่าเป็นกรอบที่สุ่มหยิบขึ้นมา ยังคงไว้ที่นี่เช่นกัน Ivanov โดดเด่นด้วยความเปรียบต่างของแสงและเงาที่คมชัด รูปร่างของวัตถุที่แสดงออก และระนาบภาพที่รู้จักกันดี ลิ้นของเขาหยาบกร้าน

ในยุค 90 ศตวรรษที่ 19 ศิลปะเข้าสู่ศิลปิน ซึ่งทำให้คนงานเป็นตัวเอกในผลงานของเขา ในปี พ.ศ. 2437 ภาพของ N.A. Kasatkina (1859-1930) "คนขุดแร่" ในปี 1895 - "คนงานเหมืองถ่านหิน เปลี่ยน".

Andrei Petrovich Ryabushkin (1861-1904) ทำงานในประเภทประวัติศาสตร์มากกว่าในประเภทประวัติศาสตร์ล้วนๆ "ผู้หญิงรัสเซียในศตวรรษที่ 17 ในคริสตจักร" (2442),

“รถไฟแต่งงานในมอสโก ศตวรรษที่ 17” (1901) และอื่น ๆ เป็นฉากชีวิตประจำวันจากชีวิตของมอสโกในศตวรรษที่ 17 Ryabushkin ได้รับความสนใจในศตวรรษนี้ด้วยความสง่างามของขนมปังขิง, หลากสี, ลวดลาย สไตล์ของ Ryabushkin สะท้อนให้เห็นในความเรียบของภาพ ในระบบพิเศษของพลาสติกและจังหวะเชิงเส้น ในโทนสีที่สร้างจากสีหลักที่สดใสในโซลูชันการตกแต่งทั่วไป

Apollinary Mikhailovich Vasnetsov (1856-1933) ให้ความสำคัญกับภูมิทัศน์ในองค์ประกอบทางประวัติศาสตร์ของเขามากยิ่งขึ้น

วิชาที่เขาโปรดปรานก็คือศตวรรษที่ 17 เช่นกัน แต่ไม่ใช่ฉากในชีวิตประจำวัน แต่เป็นสถาปัตยกรรมของมอสโก มอสโกเมื่อปลายศตวรรษที่ 17 รุ่งอรุณที่ประตูฟื้นคืนชีพ "(1900)

ภาพวาดรูปแบบใหม่ซึ่งประเพณีศิลปะพื้นบ้านได้รับการฝึกฝนด้วยวิธีพิเศษอย่างสมบูรณ์และแปลเป็นภาษาของศิลปะสมัยใหม่ถูกสร้างขึ้นโดย Philip Andreevich Malyavin (1869-1940) ภาพ "ผู้หญิง" และ "เด็กผู้หญิง" ของเขามีความหมายเชิงสัญลักษณ์ - ดินที่ดีต่อสุขภาพของรัสเซีย รูปภาพมีความหมายเสมอ "เสียงหัวเราะ" (1899), "ลมกรด" (1906)

ภาพวาดนั้นดูกว้าง สเก็ตช์ด้วยการแปรงพื้นผิว Malyavin ผสมผสานกับการตกแต่งที่แสดงออกถึงความสมจริงของธรรมชาติ

Mikhail Vasilievich Nesterov (1862-1942) กล่าวถึงหัวข้อของรัสเซียโบราณเช่นเดียวกับปรมาจารย์หลายคนก่อนหน้าเขา แต่ภาพของรัสเซียปรากฏในภาพวาดว่าเป็นโลกในอุดมคติที่เกือบจะหลงเสน่ห์และกลมกลืนกับธรรมชาติ สัมผัสแห่งธรรมชาติอันเฉียบแหลมนี้ ความปิติยินดีต่อหน้าโลก เบื้องหน้าต้นไม้ทุกต้นและใบหญ้าทุกต้น ล้วนเด่นชัดในประการหนึ่งอย่างที่สุด ผลงานที่มีชื่อเสียง Nesterov - "วิสัยทัศน์สู่เยาวชน Bartholomew" (2432-2433), "เจ้าสาวของพระคริสต์" (2330) Nesterov วาดภาพทางศาสนาที่ยิ่งใหญ่มากมาย ภาพจิตรกรรมฝาผนังอุทิศให้กับธีมรัสเซียโบราณเสมอ ในภาพวาดฝาผนังของ Nesterov มีสัญญาณที่สังเกตได้จริงมากมาย โดยเฉพาะอย่างยิ่งในแนวนอน ลักษณะภาพเหมือน - ในรูปของนักบุญ ในความปรารถนาของศิลปินในการตีความองค์ประกอบของความสง่างาม การประดับประดา ความซับซ้อนที่ประณีตของจังหวะพลาสติก อิทธิพลของอาร์ตนูโวที่ไม่อาจปฏิเสธได้ปรากฏออกมา ภูมิทัศน์ของ Nesterov มีบทบาทหลักอย่างหนึ่ง

แนวภูมิทัศน์พัฒนาขึ้นเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 ในรูปแบบใหม่ ศิลปินหลายคนกล่าวคำใหม่ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ

ในภูมิประเทศต้นของ Konstantin Alekseevich Korovin (1861-1939) ปัญหาภาพล้วนได้รับการแก้ไขแล้ว - การเขียนสีเทาบนสีขาว, สีดำบนพื้นสีขาว, สีเทาบนสีเทา สำหรับนักวาดภาพสีที่เก่งกาจ โลกดูเหมือน "จลาจลของสี" เขาทำทั้งภาพบุคคลและภาพนิ่ง แต่ประเภทโปรดของเขาคือภูมิทัศน์ เขานำประเพณีที่สมจริงของครูมาสู่งานศิลปะ - นี่คือมุมมองที่แตกต่างของโลกเขามอบหมายงานอื่น ๆ เขาเริ่มทาสี en plein air แต่เนิ่นๆ "ในเรือ"

"ฤดูหนาวในแลปแลนด์". ภูมิทัศน์ในฝรั่งเศสของเขาเป็นงานเขียนแนวอิมเพรสชั่นนิสม์มากทีเดียว ด้วยวัฒนธรรมความสง่างามระดับสูงสุดของเขา "ปารีส. Boulevard des Capucines" (1906), "ปารีสในเวลากลางคืน อิตาเลียนบูเลอวาร์ด (1908) Korovin ยังคงรักษาคุณสมบัติที่เหมือนกันของความไพเราะแบบอิมเพรสชั่นนิสม์, ความเชี่ยวชาญด้านจิตรกร, ศิลปะที่น่าทึ่งในประเภทอื่น ๆ ทั้งหมด, โดยเฉพาะอย่างยิ่งในแนวตั้งและภาพนิ่ง แต่ยังอยู่ในแผงตกแต่งใน ศิลปะประยุกต์,ในฉากละคร. "ภาพเหมือนของชลิอาพิน" (1911), "ปลา, ไวน์และผลไม้" (1916)

Valentin Alexandrovich Serov (1865-1911) หนึ่งในศิลปินที่ใหญ่ที่สุดซึ่งเป็นผู้ริเริ่มภาพวาดรัสเซียในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ "เด็กสาวกับลูกพีช" (1887) และ "เด็กสาวที่ส่องสว่างด้วยแสงแดด" (1888) เป็นเวทีทั้งหมดในภาพวาดรัสเซีย Serov ถูกเลี้ยงดูมาท่ามกลางบุคคลสำคัญในวัฒนธรรมดนตรีรัสเซีย - พ่อของเขาคือ นักแต่งเพลงชื่อดังและแม่ของเขา - นักเปียโนชื่อดังที่เรียนกับ Repin และ Chistyakov ได้ศึกษาคอลเล็กชั่นพิพิธภัณฑ์ที่ดีที่สุดในยุโรป ภาพบุคคลข้างต้นถูกวาดใน Abramtsevo และเข้าสู่งานศิลปะด้วยมุมมองที่สดใสและเป็นกวีของโลก มีหลักการของการวาดภาพแบบ plein air ในภาพวาดของ Serov ดังนั้น ศิลปินจึงวาดภาพผู้คนที่กลมกลืนกับโลก เต็มไปด้วยความกังวลใจและการเคลื่อนไหวภายใน สีจะได้รับในการโต้ตอบที่ซับซ้อนระหว่างกัน Serov ย้ายออกจากความสมจริงที่สำคัญของ Repin ครูของเขาไปเป็น "ความสมจริงของบทกวี" (ระยะเวลาของ D.V. Sarabyanov) Serov ไม่เหมือนกับอิมเพรสชันนิสต์ตรงที่ Serov ไม่เคยละลายในสื่อนี้จนทำให้เขาไม่อยู่ในรูปของวัตถุ องค์ประกอบของเขาไม่เคยสูญเสียความเสถียร มวล และสมดุลอยู่เสมอ

Serov มักจะวาดภาพตัวแทนของปัญญาชนทางศิลปะ: นักเขียนศิลปินและศิลปิน (ภาพเหมือนของ Korovin 1891, Levitan 1892, Orlova (1910-1911), Yermolova 1905

เขาตีความพวกเขาทั้งหมดเป็นรายบุคคล แต่พวกเขาทั้งหมดมีแสงสว่างของความพิเศษทางปัญญาและแรงบันดาลใจ ชีวิตสร้างสรรค์. Serov สร้างภาพลักษณ์ที่สื่อถึงความหมายของยุคสมัยทั้งหมด

"ปีเตอร์ 1" (1907)

ที่นี่ Serov สามารถพรรณนาถึงการเคลื่อนไหวที่รวดเร็วของกษัตริย์และข้าราชบริพารที่วิ่งตามเขาไปอย่างไร้เหตุผล ศิลปินชื่นชมความคิดริเริ่มของฮีโร่ของเขา

ภาพบุคคล, ทิวทัศน์, ชีวิตยังคง, ในประเทศ, ภาพวาดประวัติศาสตร์: น้ำมัน, gouache, อุบาทว์, ถ่าน - เป็นการยากที่จะหาภาพวาดและประเภทกราฟิกที่ Serov จะไม่ทำงานและวัสดุที่เขาจะไม่ใช้

หัวข้อพิเศษในงานของ Serov คือชาวนา ในประเภทชาวนาของเขามีความรู้สึกของความงามและความกลมกลืนของชีวิตชาวนาความชื่นชมในความงามที่ดีต่อสุขภาพของคนรัสเซีย "ในหมู่บ้าน. บาบากับม้า" สีพาสเทล (2441)

โดยเฉพาะอย่างยิ่งทิวทัศน์ฤดูหนาวของเขาช่างงดงามด้วยเฉดสีมุกสีเงิน "ฤดูหนาว"

Serov มองหารูปแบบใหม่ของการตระหนักถึงความเป็นจริงทางศิลปะอย่างต่อเนื่อง แรงบันดาลใจจาก Art Nouveau ความคิดเกี่ยวกับความเรียบและการตกแต่งที่เพิ่มขึ้นไม่เพียงสะท้อนให้เห็นในองค์ประกอบทางประวัติศาสตร์เท่านั้น แต่ยังสะท้อนถึงภาพเหมือนของนักเต้น Ida Rubinstein

เป็นสิ่งสำคัญที่ Serov ในตอนท้ายของชีวิตของเขาหันไปสู่โลกโบราณ "การลักพาตัวของยุโรป" (1910) ศิลปินมีวิวัฒนาการหลากหลายแง่มุมจากความสมจริงของภาพบุคคลและภูมิทัศน์ในยุค 80 และ 90 ไปจนถึงอาร์ตนูโวในรูปแบบประวัติศาสตร์และองค์ประกอบจากตำนานโบราณ

เส้นทางสร้างสรรค์มิคาอิล อเล็กซานโดรวิช วรูเบล (2399-2453) ตรงไปตรงมามากกว่า แม้ว่าจะซับซ้อนผิดปกติ เริ่มจากมหาวิทยาลัยเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ซึ่งเขาสำเร็จการศึกษาจากคณะนิติศาสตร์ สู่ Academy of Arts Vrubel เต็มไปด้วยความลึกลับและรูปแบบการเขียนที่เกือบจะเป็นปีศาจ สไตล์นี้ไม่ต้องไปยุ่งกับใคร เขาปั้นรูปร่างเหมือนกระเบื้องโมเสคจากชิ้นส่วน "เหลี่ยมเพชรพลอย" ที่มีสีต่างกันราวกับเรืองแสงจากด้านใน ("สาวกับฉากหลังของพรมเปอร์เซีย" 2429 "หมอดู" 2438)

การผสมสีไม่ได้สะท้อนถึงความเป็นจริงของความสัมพันธ์ของสี แต่มีความหมายเชิงสัญลักษณ์ ธรรมชาติไม่มีอำนาจเหนือ Vrubel เขารู้จักเธอ เป็นเจ้าของเธออย่างสมบูรณ์ แต่สร้างโลกแฟนตาซีของเขาเอง เหมือนกับความเป็นจริงเพียงเล็กน้อย ในแง่นี้ Vrubel นั้นตรงกันข้ามกับ Impressionists เพราะเขาไม่ได้พยายามแก้ไขความประทับใจโดยตรงของความเป็นจริง เขามีแนวโน้มที่จะ วิชาวรรณกรรมซึ่งเขาตีความในเชิงนามธรรม พยายามสร้างภาพของพลังทางวิญญาณที่นิรันดร์และมหาศาล (“การเต้นรำของทามารา”, “อย่าร้องไห้, เด็กน้อย, อย่าร้องไห้โดยเปล่าประโยชน์”, “ทามาราในโลงศพ” เป็นต้น) ในปีพ.ศ. 2433 เขาได้สร้าง "ปีศาจนั่ง" ซึ่งเป็นผลงานที่ไม่มีโครงเรื่อง แต่ภาพลักษณ์นั้นเป็นนิรันดร์ ภาพลักษณ์ของ Demon เป็นภาพศูนย์กลางของงานทั้งหมดของ Vrubel ซึ่งเป็นธีมหลักของเขา "ปีศาจบิน" 2442 "พ่ายแพ้ปีศาจ" 2445

ปีศาจของ Vrubel เป็นสิ่งมีชีวิตที่มีความทุกข์ทรมาน ความทุกข์มีชัยเหนือความชั่วร้ายและนี่คือลักษณะเฉพาะของการตีความภาพรัสเซียระดับชาติ ผู้ร่วมสมัยเห็นว่าใน "ปีศาจ" ของเขาเป็นสัญลักษณ์ของชะตากรรมของปัญญาชน - โรแมนติกที่พยายามหลบหนีจากความเป็นจริงที่ปราศจากความสามัคคีในโลกแห่งความฝันที่ไม่จริง โศกนาฏกรรมแห่งโลกทัศน์ของ Vrubel กำหนดลักษณะภาพเหมือนของเขา: ความไม่ลงรอยกันทางจิตใจ, การพังทลายของภาพเหมือนตนเอง, ความตื่นตัว, ความตื่นตัวเกือบ, ความตื่นตระหนก แต่ยังมีความแข็งแกร่ง, ความยิ่งใหญ่ - ในรูปของ S. Mamontov (1894), ความสับสนและความวิตกกังวล - ในนางฟ้า -ภาพเรื่อง "เจ้าหญิงหงส์" (พ.ศ. 2443)

Vrubel เองกำหนดภารกิจของเขา - "ปลุกจิตวิญญาณด้วยภาพตระหง่านจากสิ่งเล็ก ๆ น้อย ๆ ในชีวิตประจำวัน" ปริญญาโท Vrubel "ภาพเหมือนตนเอง" 2447

Savva Mamontov ที่กล่าวถึงแล้วมีบทบาทสำคัญในชีวิตของ Vrubel "ภาพเหมือนของ Savva Mamontov" 2440

ใน Abramtsevo เขาวาดภาพขนาดมหึมาและขาตั้งมากมาย เขาหันไปหานิทานพื้นบ้าน: สู่เทพนิยาย มหากาพย์ ซึ่งส่งผลให้แผง "Mikula Selyanovich", "Bogatyrs" ศิลปินพยายามทำเซรามิกส์เขาสนใจในรัสเซียและกรีกนอกรีตตะวันออกกลางและอินเดีย - วัฒนธรรมทั้งหมดของมนุษยชาติซึ่งมีเทคนิคทางศิลปะที่เขาพยายามทำความเข้าใจ และทุกครั้งที่สร้างความประทับใจ กลับกลายเป็นอย่างลึกซึ้ง ภาพสัญลักษณ์สะท้อนความคิดริเริ่มทั้งหมดของโลกทัศน์ของเขา

Vrubel สร้างภาพวาดและงานกราฟิกที่เป็นผู้ใหญ่ที่สุดในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ - ประเภทของภูมิทัศน์ ภาพบุคคล ภาพประกอบหนังสือ. ในองค์กรและการตีความการตกแต่งระนาบของผืนผ้าใบหรือแผ่นงานในการผสมผสานระหว่างของจริงและความมหัศจรรย์ในความมุ่งมั่นในการประดับประดาโซลูชั่นที่ซับซ้อนเป็นจังหวะในงานของเขาในช่วงเวลานี้คุณสมบัติของความทันสมัยกำลังยืนยันตัวเองมากขึ้น

เช่นเดียวกับ Korovin Vrubel ทำงานในโรงละครเป็นอย่างมาก ผลงานที่เขาวาดภาพทิวทัศน์ (The Snow Maiden, Sadko เป็นต้น) ทำให้สามารถ "สื่อสาร" กับนิทานพื้นบ้าน เทพนิยาย และตำนานชาวรัสเซียได้

งานของ Vrubel สว่างไสวกว่างานอื่นสะท้อนให้เห็นถึงความขัดแย้งและการขว้างปาอันเจ็บปวดของยุคสำคัญ

โฆษกโดยตรงสำหรับภาพสัญลักษณ์คือ Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov เขาเป็นหนึ่งในศิลปินย้อนหลังคนแรกในวิจิตรศิลป์ของชายแดนรัสเซีย ผลงานของเขาช่างน่าเศร้าอย่างสง่างามสำหรับ "รังอันสูงส่ง" ที่ว่างเปล่าและ "สวนเชอร์รี่" ที่พินาศสำหรับผู้หญิงที่สวยซึ่งได้รับแรงบันดาลใจเกือบแปลกประหลาดสวมชุดที่ไม่มีวันตกยุคซึ่งไม่มีสัญญาณภายนอกของสถานที่และเวลา

งานขาตั้งของเขาไม่เหมือนกับแผงตกแต่ง แต่เป็นพรม พื้นที่ได้รับการแก้ไขอย่างมีเงื่อนไขอย่างมากในแนวระนาบ ("Gobellin") ร่างนั้นเกือบจะไม่มีตัวตนเช่นเด็กผู้หญิงในภาพวาด "Pond" 1902 อุบาทว์

อยู่ในวิปัสสนากรรมฐาน อยู่ในวิปัสสนากรรมฐาน เฉดสีเทาซีดจาง ๆ ช่วยเพิ่มความประทับใจโดยรวมของความงามที่เปราะบาง

ศิลปินชั้นนำของ "World of Art" คือ Konstantin Andreevich Somov (1869-1939)

เขาได้รับการศึกษาที่ดีเยี่ยม วุฒิภาวะเชิงสร้างสรรค์มาถึงเขาตั้งแต่เนิ่นๆ แต่มีความชัดเจนในตัวเขา ซึ่งเป็นการต่อสู้ระหว่างสัญชาตญาณที่สมจริงอันทรงพลังกับโลกทัศน์ทางอารมณ์ที่เจ็บปวด จิตรกรรมสัญลักษณ์ ยุคเงิน

ดังที่เรารู้จักเขา Somov ปรากฏในภาพเหมือนของ Martynova "Lady in Blue", 1897-1900 ในภาพวาดภาพเหมือน "Echo of the Past Time", 1903 ซึ่งเขาสร้างคำอธิบายบทกวีเกี่ยวกับความงามของผู้หญิงที่เปราะบางและเป็นโลหิตจาง ของรูปแบบเสื่อมโทรมปฏิเสธที่จะถ่ายทอดสัญญาณของครัวเรือนที่แท้จริงของความทันสมัย เขาแต่งตัวนางแบบในชุดโบราณทำให้รูปลักษณ์ของพวกเขามีลักษณะของความทุกข์ทรมานความลับความเศร้าและความเพ้อฝันความแตกสลายอันเจ็บปวด

Somov เป็นเจ้าของชุดภาพกราฟิกของคนร่วมสมัยของเขา - ผู้มีปัญญาสูงซึ่งเขาใช้เทคนิคทั่วไปอย่างหนึ่ง - บนพื้นหลังสีขาว - ในทรงกลมที่ไร้กาลเวลา - เขาวาดใบหน้าที่ความคล้ายคลึงกันไม่ได้เกิดจากการแปลงสัญชาติ แต่ด้วยความกล้าหาญ ลักษณะทั่วไปและการเลือกรายละเอียดลักษณะเฉพาะอย่างเหมาะสม การขาดสัญญาณของเวลานี้ทำให้เกิดความรู้สึกนิ่ง, ตึง, เย็นชา, ความเหงาที่น่าเศร้าเกือบ

ศิลปินมีลักษณะเป็น Historicalism เขาเป็นผู้หลบหนีจากความเป็นจริง ไม่ใช่อดีต แต่เป็นการแสดงละคร ความปรารถนาในสิ่งที่แก้ไขไม่ได้ นั่นคือแรงจูงใจหลัก "จดหมาย" 2439 "โคฟีเดนเซีย" 2440

ผลงานอื่นๆ ของ Somov เป็นงานอภิบาลและงานรื่นเริง เต็มไปด้วยการประชดประชัน ความว่างเปล่าทางวิญญาณ แม้กระทั่งความสิ้นหวัง ฉากรักมักจะอีโรติก

Somov ทำงานมากตามตารางเวลา หนังสือที่ออกแบบโดยเขาเป็นเหมือนสิ่งมีชีวิตเดี่ยวที่มีความสามัคคีเป็นจังหวะและโวหารของตัวเอง

ผู้นำในอุดมคติของ "โลกแห่งศิลปะ" คือ Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960) ซึ่งเป็นพรสวรรค์ที่หลากหลายผิดปกติ จิตรกร ศิลปินกราฟิคขาตั้งและนักวาดภาพประกอบ นักออกแบบโรงละคร ผู้กำกับ ผู้เขียนบทบัลเลต์ นักทฤษฎีและนักประวัติศาสตร์ศิลป์ นักดนตรี ในฐานะศิลปิน เขามีความสัมพันธ์กับ Somov ด้วยแนวโน้มโวหารและความชอบในอดีต ในภูมิทัศน์ของแวร์ซาย เบอนัวส์ได้รวมการบูรณะประวัติศาสตร์ของศตวรรษที่ 17 เข้ากับความประทับใจร่วมสมัยของศิลปิน การรับรู้ของเขาเกี่ยวกับศิลปะคลาสสิกของฝรั่งเศส การแกะสลักแบบฝรั่งเศส ดังนั้นองค์ประกอบที่ชัดเจน พื้นที่ว่างที่ชัดเจน ความยิ่งใหญ่และความรุนแรงของจังหวะที่เย็นยะเยือก การตรงกันข้ามระหว่างความยิ่งใหญ่ของอนุสรณ์สถานทางศิลปะและความเล็กของร่างมนุษย์ ซึ่งเป็นเพียงพนักงานเท่านั้นในหมู่พวกเขา “ การเดินครั้งสุดท้ายของหลุยส์ 14” 2439 - 2441 - ซีรีส์แวร์ซายแรกและในซีรีส์ที่สองเสียงประชดประชันบางเสียงวาดด้วยบันทึกที่น่าเศร้าเกือบ "คิงส์วอล์ค" 2449.

Benois รับรู้ธรรมชาติโดยเชื่อมโยงกับประวัติศาสตร์ ในชุดภาพวาดจากอดีตของรัสเซีย ซึ่งได้รับมอบหมายจากสำนักพิมพ์ Knebel ในฉากชีวิตของเจ้าของที่ดินผู้สูงศักดิ์ในศตวรรษที่ 18 Benoist สร้างภาพลักษณ์ที่ใกล้ชิดของยุคนี้แม้ว่าจะค่อนข้างเป็นละคร

"ขบวนพาเหรดใต้พอล 1" 2450

Benois - นักวาดภาพประกอบ - เป็นทั้งหน้าในประวัติศาสตร์ของหนังสือ ระนาบของเพจไม่ใช่จุดจบในตัวเองสำหรับเขา ภาพประกอบเป็นงานอิสระที่ค่อนข้างสมบูรณ์ ไม่ใช่ "ศิลปะในหนังสือ" มากเท่ากับ "ศิลปะในหนังสือ"

ในฐานะนักออกแบบโรงละคร Benois ได้ออกแบบการแสดงของ Russian Seasons ร่างของเบอนัวส์ - นักวิจารณ์ศิลปะและนักประวัติศาสตร์ศิลปะ - เป็นเวทีทั้งหมดในประวัติศาสตร์ของการวิจารณ์ศิลปะ

ที่แกนหลักของ "โลกแห่งศิลปะ" คือ Lev Samuilovich Bakst (1866-1924) ซึ่งกลายเป็นที่รู้จักในฐานะศิลปินโรงละคร ในนิทรรศการครั้งแรก เขาได้แสดงภาพบุคคลและภาพกราฟิกจำนวนหนึ่ง ซึ่งธรรมชาติซึ่งเข้ามาอยู่ในกระแสของสภาพความเป็นอยู่ ถูกแปรสภาพให้เป็นตัวแทนในอุดมคติของบุคคลร่วมสมัย เหล่านี้เป็นภาพเหมือนของ Benois, Bely, Somov, Rozanov, Grippius, Diaghilev

กราฟิกของ Bakst ไม่มีแรงจูงใจในศตวรรษที่ 18 และรูปแบบอสังหาริมทรัพย์ เขาโน้มเอียงไปทางสมัยโบราณยิ่งไปกว่านั้นในสมัยโบราณกรีกตีความเป็นสัญลักษณ์ ภาพวาด "สยองขวัญโบราณ" อุบาทว์ 2451 ประสบความสำเร็จเป็นพิเศษ

ในไม่ช้า Bakst ก็ได้อุทิศตนให้กับงานละครและฉากอย่างเต็มที่ ทิวทัศน์และเครื่องแต่งกายของเขาสำหรับบัลเลต์ของ Diaghilev ได้แสดงด้วยความเฉลียวฉลาดเป็นพิเศษ ผู้มีพรสวรรค์ทางศิลปะ ทำให้เขาโด่งดังไปทั่วโลก

โดยเฉพาะอย่างยิ่งสามารถพูดเกี่ยวกับ Nicholas Roerich ด้วยการศึกษาที่ยอดเยี่ยม ในไม่ช้าเขาก็ได้รับอำนาจจากนักวิทยาศาสตร์ เขาถูกดึงดูดโดยพวกนอกรีตสลาฟและสแกนดิเนเวียโบราณรัสเซียโบราณ สังเกตแนวโน้มการจัดแต่งทรงผม "Messenger", 2440, "The Elders Converge", 2441, "Sinister", 2444

Roerich มีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดที่สุดกับปรัชญาและสุนทรียศาสตร์ของสัญลักษณ์รัสเซีย แต่งานศิลปะของเขาไม่เข้ากับแนวโน้มที่มีอยู่เพราะ ตามมุมมองโลกทัศน์ของศิลปินได้อุทธรณ์ต่อมวลมนุษยชาติด้วยการอุทธรณ์ต่อสหภาพที่เป็นมิตรของทุกคน ดังนั้นลักษณะพิเศษที่ยิ่งใหญ่ของภาพวาดของเขา

หลังจากปี ค.ศ. 1905 อารมณ์ของลัทธิความเชื่อเรื่องพระเจ้าเพิ่มขึ้นในงานของ Roerich ธีมประวัติศาสตร์หลีกทางให้ตำนานศาสนา "การต่อสู้บนท้องฟ้า" 2455

ไอคอนรัสเซียมีอิทธิพลอย่างมากต่อ Roerich "การต่อสู้ที่ Kerzhents", 2454

หนึ่งในศิลปินที่มีพรสวรรค์คือ Boris Mikhailovich Kustodiev (1878 - 1927) นักเรียนของ Repin เขามีสไตล์ด้วย แต่นี่คือสไตล์ พิมพ์พื้นบ้าน. ดังนั้นงานรื่นเริงที่สดใส "Fairs", "Shrovetide"

“บูธแสดงสินค้า” ดังนั้นภาพวาดของเขาจากชีวิตพ่อค้าชนชั้นนายทุนน้อยจึงถ่ายทอดด้วยความเย้ยหยันเล็กน้อย แต่ไม่ชื่นชมความงามครึ่งหลับใหลแก้มแดงเหล่านี้หลังกาโลหะและจานรองในนิ้วอวบอ้วน

"พ่อค้า" 2458,

"พ่อค้าชา" 2461

ศิลปะแห่งยุคก่อนการปฏิวัติในรัสเซียโดดเด่นด้วยความซับซ้อนและความไม่สอดคล้องกันของการค้นหางานศิลปะ ดังนั้นการจัดกลุ่มต่อเนื่องด้วยการตั้งค่าโปรแกรมและความเห็นอกเห็นใจโวหาร

ภาพวาดรัสเซียโบราณที่ยิ่งใหญ่เป็นพยานอันยอดเยี่ยมถึงความมีชีวิตชีวาของประเพณีประจำชาติคือผลงานของ Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin (1878-1939) ศิลปินนักคิดซึ่งต่อมาได้กลายเป็นปรมาจารย์ด้านศิลปะที่โดดเด่นที่สุดในยุคโซเวียต ในภาพวาดที่มีชื่อเสียง "Bathing the Red Horse" ในปี 1912 ศิลปินใช้คำอุปมาที่เป็นรูปเป็นร่าง ตามที่ระบุไว้อย่างถูกต้อง ชายหนุ่มบนหลังม้าสีแดงสดชวนให้นึกถึงภาพลักษณ์อันโด่งดังของนักบุญจอร์จผู้พิชิต และภาพเงาทั่วๆ ไป จังหวะและองค์ประกอบที่กะทัดรัด ความอิ่มตัวของจุดสีตัดกันที่ฟังดูเต็มกำลัง และ ความเรียบในการตีความรูปแบบทำให้นึกถึงไอคอนรัสเซียโบราณ ผลงานของอาจารย์มุ่งเน้นไปที่ประเพณีศิลปะรัสเซียพวกเขานำอาจารย์ไปสู่สัญชาติที่แท้จริง

สมาคมศิลปะและอาณานิคมทางศิลปะในการวาดภาพ

จุดเริ่มต้น ค.ศ. 1910 เป็นความมั่งคั่งของนิทรรศการศิลปะ: นิทรรศการของสังคม "โลกแห่งศิลปะ", สมาคมมอสโก, สหภาพเยาวชน, นิทรรศการฤดูใบไม้ผลิของ Academy of Arts; ใช้แล้วทิ้ง - "Scarlet Rose", "Blue Rose", "Stefanos", "Wreath", Salonov S.K. Makorovsky, V.A. Izdebsky, Salons ของ "Golden Fleece" จับวิวัฒนาการของภาพวาดรัสเซียจากอิมเพรสชั่นนิสม์และสัญลักษณ์ไปจนถึง neo-primitivism, cubo-futurism, การแสดงออกทางนามธรรม, "ศิลปะการวิเคราะห์"

พิพิธภัณฑ์รัสเซียโบราณ

จุดเริ่มต้นของศตวรรษในงานศิลปะและงานฝีมือถูกทำเครื่องหมายด้วยวิธีแก้ปัญหาเชิงสัญลักษณ์ที่สดใสของความซับซ้อนของอาคารโดย S.V. มาลิวตินตั้งชื่อตามเอ็ม.เค. Tenisheva Talashkino ใกล้ Smolensk ที่ดินมีแขกมาพักมากมาย รวมทั้งศิลปิน A.N. เบอนัวส์ ไอ.อี. เรพิน แมสซาชูเซตส์ วรูเบล, เค.เอ. Korovin, ประติมากร Trubetskoy และอื่น ๆ อีกมากมาย ศิลปิน N.K. Roerich ผู้วาดภาพในโบสถ์แห่งพระวิญญาณบริสุทธิ์ซึ่งอยู่ไม่ไกลจากที่ดิน ศิลปิน S. Malyutin ผู้ออกแบบและตกแต่งบ้านไม้ "Teremok" อาศัยอยู่ที่นี่ พร้อมกับศิลปิน นักประวัติศาสตร์ นักโบราณคดี Tenisheva เดินทางไปทั่วเมืองและหมู่บ้านของรัสเซีย รวบรวมวัตถุตกแต่งและศิลปะประยุกต์: ผ้า ผ้าขนหนูปัก ลูกไม้ ผ้าพันคอ เสื้อผ้า เครื่องปั้นดินเผา ฯลฯ นี่คือจุดเริ่มต้นของพิพิธภัณฑ์ Russian Antiquity ที่ไม่เหมือนใคร ซึ่งเปิดใน Smolensk ในปี 1998

"วงเวียนศิลปะ Abramtsevo"

ชื่อที่น่าสนใจมากมายของวัฒนธรรมรัสเซียเกี่ยวข้องกับที่ดินของ Abramtsevo: นักเขียน S.A. Aksakov, N.V. โกกอล, I.S. ตูร์เกเนฟ. ในปี 1870 ที่ดินถูกซื้อโดย S.I. Mamontov เป็นนักเลงศิลปะที่บอบบาง เขาเป็นคนที่กลายเป็นผู้ก่อตั้งสมาคมสร้างสรรค์ซึ่งลงไปในประวัติศาสตร์ภายใต้ชื่อ "Abramtsevo Artistic Circle" Mamontov รวบรวมศิลปินที่โดดเด่นเช่น I.E. เรพิน, วี.เอ็ม. Vasnetsov, V.D. Polenov, M.N. Nesterov, M.A. Vrubel, K.A. Korovin, V.A. Serov และคนอื่น ๆ แต่ละคนมาเยี่ยม Abramtsevo และมีส่วนทำให้ชีวิตของ "อาณานิคมศิลปะ"

สมาคม "โลกแห่งศิลปะ" และความสำคัญในการพัฒนาวัฒนธรรมรัสเซีย

กลุ่มที่เกิดเทรนด์วัฒนธรรมและความงามที่แข็งแกร่งและมีอิทธิพลรวมตัวกันรอบ ๆ นิตยสาร "World of Art" เกิดขึ้นในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในช่วงต้นปี 1890 ด้วยจุดมุ่งหมายเจียมเนื้อเจียมตัวของการศึกษาด้วยตนเอง ในช่วงเวลาสั้นๆ เธอได้เตรียมกิจกรรมทางสังคมที่กว้างขวาง และเริ่มมีอิทธิพลต่อชีวิตศิลปะในปัจจุบัน ในการพัฒนาชีวิตทางสังคมของวงกลมบทบาทของ S.P. ไดอากิเลฟ แนวคิดหลักที่ชี้นำเขาเกิดจากความเชื่อมั่นอย่างลึกซึ้งในความสำคัญระดับโลกของศิลปะรัสเซีย เขาตั้งเป้าหมายที่จะรวมศิลปินรัสเซียที่ดีที่สุดเข้าด้วยกันช่วยให้พวกเขาเข้าสู่ชีวิตศิลปะของยุโรปและในคำพูดของเขา "ยกย่อง ศิลปะรัสเซียในทิศตะวันตก". Diaghilev อุทิศกิจกรรมทั้งหมดของเขาเพื่องานนี้ กลุ่มปีเตอร์สเบิร์กของเขาซึ่งรวมถึง Somov, Bakst, Benois และ Lansere ได้เข้าร่วมเป็นพันธมิตรใกล้ชิดกับ Vrubel, Levitan, Serov, Korovin, Nesterov, Ryabushinsky และจิตรกรมอสโกคนอื่น ๆ สมาคมที่กว้างขวางนี้ซึ่งมีการขยายตัวเกินกว่าขนาดของกลุ่ม Diaghilev ดั้งเดิม ทำหน้าที่เป็นพื้นฐานที่ Diaghilev สามารถจัดระเบียบนิตยสารศิลปะที่กลายเป็นศูนย์กลางทางอุดมการณ์ของศิลปะรัสเซียในช่วงปีแรก ๆ ของศตวรรษที่ 20

นิตยสารชื่อ "โลกแห่งศิลปะ" ได้รับการตีพิมพ์เป็นเวลา 6 ปี (พ.ศ. 2442-2447) ภายใต้กองบรรณาธิการของ Diaghilev ซึ่งจัดนิทรรศการศิลปะโดยใช้ชื่อเดียวกันเป็นประจำทุกปี แกนหลักของนิทรรศการเหล่านี้เป็นผลงานของจิตรกรและศิลปินกราฟิกของกลุ่ม St. Petersburg Diaghilev มันอยู่ท่ามกลางพวกเขาที่มีการเคลื่อนไหวทางศิลปะ "World of Art"

ประวัติความเป็นมาของ "โลกแห่งศิลปะ" มีสองด้านที่แยกจากกันแม้ว่าจะเกี่ยวข้องกัน:

ในอีกด้านหนึ่งนี่คือประวัติศาสตร์ของทิศทางที่สร้างสรรค์ที่พัฒนาขึ้นในกลุ่มศิลปินเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กที่นำโดยเบอนัวส์และโซมอฟ

ในทางกลับกัน นี่คือประวัติศาสตร์ของขบวนการทางวัฒนธรรมและสุนทรียศาสตร์ที่ซับซ้อน ซึ่งดึงเอาผู้เชี่ยวชาญชาวรัสเซียหลายคนเข้ามาในวงโคจร ซึ่งผลงานของเขาพัฒนาขึ้นโดยอิสระจากกลุ่มเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก บางครั้งก็ห่างไกลจากเนื้อหาเชิงอุดมคติ และภาษาภาพ

การเคลื่อนไหวนี้ไม่เพียงแต่จับภาพภาพวาดและกราฟิกเท่านั้น แต่ยังรวมถึงพื้นที่ที่เกี่ยวข้องกับวัฒนธรรมอีกจำนวนหนึ่ง และมีอิทธิพลต่อสถาปัตยกรรมรัสเซีย ประติมากรรม กวีนิพนธ์ บัลเลต์และโรงละครโอเปร่า รวมถึงการวิจารณ์ศิลปะและศาสตร์แห่งศิลปะ งานด้านการศึกษาของ "World of Art" ในช่วงหกปีที่ดำรงอยู่ถูกกำกับโดยสองช่องทางหลัก: นิตยสารประการแรกครอบคลุม ความทันสมัยวิจิตรศิลป์ในรัสเซียและบางประเทศ ยุโรปตะวันตกและประการที่สองเปิดเผยอย่างเป็นระบบแก่ผู้อ่านถึงคุณค่าที่ถูกลืมหรือเข้าใจยากของวัฒนธรรมศิลปะแห่งชาติในอดีต ยิ่งกิจกรรมของนิตยสารพัฒนาขึ้นมากเท่าไร ธีมของโบราณวัตถุของรัสเซียที่ได้มาในนั้นก็ยิ่งมีความสำคัญมากขึ้นเท่านั้น "โลกแห่งศิลปะ" ได้พัฒนาจากศิลปะอาร์ตนูโวไปสู่การมองย้อนกลับไป ในช่วงวิวัฒนาการนี้ สมาชิกของวารสารได้ค้นพบการค้นพบทางประวัติศาสตร์และศิลปะที่สำคัญหลายประการ: โลกแห่งศิลปะเป็นรากฐานสำหรับการศึกษาวัฒนธรรมศิลปะรัสเซียในศตวรรษที่ 18 อย่างเป็นระบบ จนถึงตอนนี้ก็ถูกลืมไปแล้วครึ่งหนึ่งและตีความอย่างผิดๆ รุ่งโรจน์ต่อ D.G. Levitsky และ V.L. Borovikovsky เช่นเดียวกับสถาปนิกที่โดดเด่นของพิสดารรัสเซียและคลาสสิกเริ่มต้นด้วยผลงานของ Diaghilev, Benois, Grabar และอื่น ๆ

พวกเขาเป็นคนแรกในวิทยาศาสตร์ของรัสเซียที่หันไปหามรดกของความรักและอารมณ์ของรัสเซีย และนักวิจัยได้ประเมินงานของ O.A. อีกครั้ง Kiprensky, A.G. เวเนเซียนอฟ, เอฟ. ตอลสตอย.

นักวิจารณ์คนเดียวกันให้เครดิตกับการแก้ไขแนวคิดผิดๆ เกี่ยวกับสถาปัตยกรรมเก่าแก่ของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ของเธอ คุณค่าทางศิลปะถูกประเมินเกินจริงอย่างสมบูรณ์ บทความโดยเบอนัวส์ซึ่งโค้งคำนับต่อหน้าความงามของปีเตอร์สเบิร์กเก่าเป็นการเปิดเผยที่แท้จริงสำหรับผู้อ่านในสมัยนั้น

ในสมาคม "โลกแห่งศิลปะ" รัสเซีย กราฟิกหนังสือเวลาใหม่เช่นเดียวกับวัฒนธรรมการแสดงละครของรัสเซีย

วารสารสนับสนุนการพัฒนาศิลปะและงานฝีมือและงานฝีมือทางศิลปะอย่างเป็นระบบ

ในที่สุด กับ "โลกแห่งศิลปะ" ก็ได้เริ่มเฟสใหม่ในประวัติศาสตร์การวิจารณ์ศิลปะของรัสเซียและประวัติศาสตร์ศิลปะ ความสำเร็จที่ World of Art ทำได้ในด้านองค์กรทำให้ศิลปินชาวรัสเซียมีแรงผลักดันในการสร้างกลุ่มนิทรรศการใหม่และสมาคมที่สร้างสรรค์

"บลูโรส".

ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ ศิลปะผุดขึ้นด้วยแนวคิดเรื่องความเป็นอิสระที่สมบูรณ์ ความพอเพียง ผู้ริเริ่มการต่อสู้เพื่อความบริสุทธิ์และคุณค่าที่แท้จริงของศิลปะคือกวีและศิลปิน Symbolist ของกลุ่ม World of Art ศิลปะมีความเฉพาะเจาะจงมากขึ้นเรื่อย ๆ โดยอาศัยความเป็นไปได้ภายใน

การจัดกลุ่มแรกซึ่งเริ่มนับถอยหลังของแนวโน้มใหม่ในการวาดภาพรัสเซียในช่วงต้นศตวรรษที่ 20 คือ Blue Rose ภายใต้ชื่อนี้ในปี พ.ศ. 2450 มีการเปิดนิทรรศการในมอสโกซึ่ง A. Arapov, N. Krymov, P. Kuznetsov, V. และ N. Milioti, N. Sapunov, M. Saryan, S. Sudeikin, P. Utkin และอื่นๆ รวม 16 ศิลปิน

ไม่น่าแปลกใจเลยที่ Vernisage ในปี 1907 แม้แต่ในงานนิทรรศการครั้งแรกของ World of Art ผลงานแรกของ Blue Bearers ในอนาคตก็ปรากฏตัวขึ้น ในปี 1904 นิทรรศการ "Scarlet Rose" จัดขึ้นที่ Saratov ซึ่งเป็นผู้บุกเบิกโดยตรงของ "Blue" เข้าร่วมโดย Saratov - V. Borisov-Musatov, P. Kuznetsov, P. Utkin, ศิลปินหนุ่มนอกเมือง Saryan, Sapunov, Sudeikin, Arapov, Vrubel หลังมีบทบาทสำคัญในงานของ Blue Bears ทั้งหมด นิทรรศการ "บลูโรส" ซึ่งจัดขึ้นโดยค่าใช้จ่ายของผู้อุปถัมภ์และผู้จัดพิมพ์ "ขนแกะทองคำ" ศิลปินสมัครเล่น N. Ryabushinsky เปิดเมื่อวันที่ 18 มีนาคม พ.ศ. 2450 ในกรุงมอสโกในบ้านของผู้ผลิตเครื่องเคลือบ M. Kuznetsov โครงสร้างทั้งหมดแตกต่างจากนิทรรศการทั่วไป ซึ่งเป็นตัวแทนของโลกลึกลับ "ไม่ว่าจะเป็นร้านเสริมสวยหรือโบสถ์" ที่มีแสงสลัวและผ้าม่านโปร่งแสง แต่ความประหลาดใจหลักคือผลงานของตัวเอง ห้องโถงตกแต่งด้วยผ้าสีเทาเงินและสีฟ้าอ่อน ภาพวาดและงานกราฟิกของศิลปิน 14 คน ได้แก่ P. Kuznetsov, P. Utkin, N. Sapunov, M. Saryan, S. Sudeikin, N. Krymov, A. Arapov, A Fonvizin, N. และ V. Milioti, N. Feofilaktov, V. Drittenpreis, I. Knabe และ N. Ryabusinsky งานประติมากรรมของ A. Matveev และ P. Bromirsky ก็อยู่ที่นี่เช่นกัน เพลงของนักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียดำเนินการโดยนักดนตรีที่ดีที่สุดอ่านบทกวีโดย A. Bely และ V. Bryusov

ชื่อของนิทรรศการและสมาคม ตลอดจนรูปแบบงานของผู้เข้าร่วม มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับสุนทรียศาสตร์ของสัญลักษณ์ สีฟ้า - สีของท้องฟ้า, น้ำ, พื้นที่ที่ไม่มีที่สิ้นสุด - ราวกับว่าเป็นตัวเป็นตนในบทกวีความฝันและความเป็นจริง, ความเศร้าโศกและความหวัง "บลูโรส" เป็นนิทรรศการกลุ่มที่รวมเป็นหนึ่งรายการความงามเดียว สมาคมศิลปะก่อนหน้านี้ รวมทั้ง World of Art ได้สูญเสียความสำคัญในอดีตไป เนื่องจากรูปลักษณ์ภายนอก สานต่อภารกิจของ "โลกแห่งศิลปะ" "บลูโรส" ในเวลาเดียวกัน ต่อต้านโลกแห่งศิลปะโวหารและวรรณคดี และนำเสนอสิ่งใหม่โดยพื้นฐานสู่จิตสำนึกทางศิลปะของยุคนั้น เป็นก้าวแรกของศิลปะรัสเซียที่เกินขอบเขตของศตวรรษที่ 19 ความพิเศษเฉพาะตัวของ "กุหลาบสีน้ำเงิน" คือการที่ศิลปินสามารถแสดงหมวดหมู่ที่ไม่มีตัวตนในรูปแบบพลาสติกได้ เช่น อารมณ์ อารมณ์ ประสบการณ์ทางอารมณ์ กุหลาบสีน้ำเงินจึงเป็นบรรพบุรุษของแนวหน้าของรัสเซีย ความคิดของเธอถูกหยิบขึ้นมาและพัฒนาในแบบของตัวเองในผลงานของ N. Goncharova, M. Larionov, K. Malevich

Goluborozovites มีความเกี่ยวข้องกับกวีสัญลักษณ์มอสโกกับนักประพันธ์สัญลักษณ์ Scriabin และ Menter เมื่อเปรียบเทียบกับกวีสัญลักษณ์แล้ว เราไม่สามารถระบุความแตกต่างที่มีนัยสำคัญได้ กวีสร้างทฤษฎีสัญลักษณ์ของตนเอง กวีทุกคนที่เขียนเกี่ยวกับสัญลักษณ์ในคริสต์ทศวรรษ 1890-1900 ในทฤษฎีของพวกเขา แนวคิดเกี่ยวกับความสำคัญของภาพ ความไม่เพียงพอของการแสดงออกภายนอกต่อสภาพภายในของจิตวิญญาณ ความไม่ชัดเจนของจิตวิญญาณที่สูงขึ้นปรากฏขึ้นอย่างชัดเจน

“จิตรกรสัญลักษณ์ไม่ได้สร้างทฤษฎีของตนเอง Vrubel ในสัญลักษณ์ต้นยุค 1890 ฉันได้อะไรมากมายจากแนวคิดโรแมนติกของความคิดสร้างสรรค์ Borisov-Musatov พูดและเขียนเกี่ยวกับดนตรีและความกลมกลืนมากกว่าสัญลักษณ์ Goluborozovists Kuznetsov, Utkin, พี่น้อง Milioti และคนอื่น ๆ ไม่ต้องสงสัยเลย ความรู้สึกเชิงสัญลักษณ์ ภาพศิลปะแต่ด้วยข้อยกเว้นที่หายาก ไม่ได้แสดงความคิดด้วยวาจา อันดับแรก ปรมาจารย์ทุกคนเป็นจิตรกรที่ใช้งานได้จริง ซึ่งสามารถสร้างระบบศิลปะบางอย่างด้วยความคิดสร้างสรรค์ของตนเองได้

สมาคมกุหลาบสีน้ำเงินหยุดอยู่ในปี 2453

บทสรุป

ดังนั้นการวาดภาพสัญลักษณ์จึงเป็นวิธีการถ่ายทอดประสบการณ์ทางวัฒนธรรมและเป็นแหล่งพัฒนาความคิดสร้างสรรค์และจินตนาการเชิงพื้นที่

สัญลักษณ์ของรัสเซียตรงกันข้ามกับสัญลักษณ์ของยุโรปตะวันตกซึ่งส่วนใหญ่พัฒนาเป็นโรงเรียนวรรณกรรมและศิลปะตั้งแต่เริ่มก่อตั้งพยายามที่จะก้าวไปไกลกว่าศิลปะและกลายเป็นกระแสวัฒนธรรมในวงกว้างโลกทัศน์โดยมีเป้าหมายในการออม และเปลี่ยนแปลงมนุษยชาติ Russian Symbolists เชื่อว่าศิลปินที่แท้จริงซึ่งเป็นนักปรัชญาถูกเรียกร้องให้สร้างไม่เพียงเท่านั้น รูปแบบศิลปะชีวิต. สัญลักษณ์รัสเซียเป็นหนึ่งในอาการทั่วไปของการสร้างชีวิต

ระบบภาพสัญลักษณ์ของรัสเซียซึ่งสร้างขึ้นจากฐานพลาสติกและวรรณกรรม ก่อให้เกิดโรงเรียนแห่งชาติดั้งเดิมซึ่งมีสถานที่สำคัญในการแสดงสัญลักษณ์ทั่วยุโรปในด้านศิลปะพลาสติก

ทฤษฎีและแนวปฏิบัติเกี่ยวกับสัญลักษณ์ของรัสเซียมีพื้นฐานมาจากละครเพลง เพราะดนตรีเป็นศิลปะที่สมบูรณ์แบบที่สุด รวมถึงศิลปะรูปแบบอื่นๆ ทั้งหมด และแสดงออกโดยตรงต่อโลกเหนือธรรมชาติ การค้นหาและการขยายสื่อความหมายทางดนตรีในการวาดภาพ การเคลื่อนตัวไปสู่การสร้างสิ่งนั้น ภาพวาดถูกเรียกให้ฟื้นฟูความสมบูรณ์ที่สูญหาย ความสามัคคีของจักรวาล

ดังนั้นในภาพวาดสัญลักษณ์ของรัสเซียจึงได้ตระหนักถึงหลักการทางทฤษฎีหลักของสัญลักษณ์คือปัญหาของการสร้างชีวิต, ทฤษฎี, การสังเคราะห์ ฯลฯ

รายชื่อวรรณกรรมที่ใช้แล้ว

ปริญญาโท Voskresenskaya "สัญลักษณ์เป็นโลกทัศน์ของยุคเงิน" มอสโก "โลโก้", 2005;

2.I. Golitsyn "ประวัติศาสตร์จิตรกรรมรัสเซีย จุดเปลี่ยนของศตวรรษที่ 19 - 20 "มอสโก" เมืองสีขาว ", 2550;

โทรทัศน์. Ilyin ประวัติศาสตร์ศิลปะ ศิลปะในประเทศ, โรงเรียนมัธยมมอสโก, 2000;

วรรณคดีเป็นระยะ:

. “50 ศิลปินรัสเซีย. ผลงานชิ้นเอกของจิตรกรรมรัสเซีย" ฉบับที่ 5, Moscow, LLC "De Agostini", 2010;

5. “ 50 ศิลปินรัสเซีย ผลงานชิ้นเอกของจิตรกรรมรัสเซีย" ฉบับที่ 11, Moscow, LLC "De Agostini", 2010;

Bibliotekar.ru

กวดวิชา

ต้องการความช่วยเหลือในการเรียนรู้เกี่ยวกับหัวข้อหรือไม่?

ผู้เชี่ยวชาญของเราจะแนะนำหรือให้บริการกวดวิชาในหัวข้อที่คุณสนใจ
ส่งใบสมัครระบุหัวข้อทันทีเพื่อหาข้อมูลเกี่ยวกับความเป็นไปได้ในการขอรับคำปรึกษา

บทนำ

ช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19-20 - ช่วงเวลาพิเศษและวิกฤตสำหรับรัสเซีย เศรษฐกิจเฟื่องฟูและวิกฤต สงครามโลกที่สูญหายในปี 1904-05 และการปฏิวัติในปี ค.ศ. 1905-07 สงครามโลกครั้งที่หนึ่งในปี ค.ศ. 1914-18 และด้วยเหตุนี้ การปฏิวัติในเดือนกุมภาพันธ์และตุลาคม 2460 ซึ่งล้มล้างระบอบราชาธิปไตย และจากนั้นอำนาจของชนชั้นนายทุน ในสังคม ความรู้สึกที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ของวิกฤตสังคม ความจำเป็นในการเปลี่ยนแปลงค่านิยม เพิ่มขึ้นเรื่อย ๆ อุดมการณ์ประชานิยมล่มสลาย การค้นหาแนวคิดเชิงอุดมการณ์ใหม่ในการพัฒนาสังคมเริ่มต้นขึ้น

สำหรับจิตรกรในช่วงเปลี่ยนศตวรรษ วิธีการแสดงออกแบบอื่นๆ นั้นมีลักษณะเฉพาะมากกว่าในบรรดาผู้หลงทาง ซึ่งเป็นรูปแบบการแสดงออกทางศิลปะในรูปแบบอื่นๆ ความคิดสร้างสรรค์ในภาพขัดแย้ง ซับซ้อน และสะท้อนถึงความทันสมัยโดยอ้อมเท่านั้น โดยไม่มีภาพประกอบและคำบรรยาย ศิลปินแสวงหาความกลมกลืนและความงามอย่างเจ็บปวดในโลกที่มีพื้นฐานมาจากความต่างของทั้งความกลมกลืนและความงาม นั่นคือเหตุผลที่หลายคนเห็นภารกิจของพวกเขาในการปลูกฝังความงาม ช่วงเวลาของ "อีฟ" นี้ ความคาดหวังของการเปลี่ยนแปลงในชีวิตสาธารณะ ก่อให้เกิดกระแส การเชื่อมโยง กลุ่ม การปะทะกันของมุมมองโลกทัศน์และรสนิยมที่แตกต่างกัน

ยุคเงินได้รับการตีความอย่างกว้าง ๆ และเริ่มถูกนำมาใช้เพื่ออธิบายลักษณะกระบวนการทางวัฒนธรรมบางอย่างที่เกิดขึ้นในรัสเซียในช่วงเวลานี้ ท้ายที่สุดแล้ว ความคิด แรงจูงใจ อารมณ์ที่เหมือนกัน ควบคู่ไปกับความคิดสร้างสรรค์ทางวรรณกรรม ดนตรีและการแสดงละคร ทัศนศิลป์ สะท้อนในเวลาเดียวกันด้วยการค้นหาแนวคิดทางศาสนาและปรัชญาของรัสเซีย ในเวลาเดียวกัน ยุคเงินไม่เพียงแต่สะท้อนสภาพทางประวัติศาสตร์ที่มีอยู่ด้วยวิธีการทางปรัชญาและศิลปะเท่านั้น แต่ด้วยการสร้างรูปโฉมบนพื้นฐานของโลกทัศน์ใหม่ ตัวมันเองได้สร้างรูปแบบการคิดใหม่และในแง่หนึ่ง สังคมใหม่ ซึ่งทำให้เราสามารถกำหนดเป็นวัฒนธรรมได้

ที่มาและแนวคิดของสัญลักษณ์

คำภาษากรีกโบราณ "สัญลักษณ์" เดิมเรียกว่าเหรียญแบ่งเป็นสองส่วน คนสองคนที่มีครึ่งหนึ่งของเหรียญนี้แต่ละคนสามารถจดจำกันและกันได้เมื่อพบกันโดยนำทั้งสองส่วนมารวมกัน อย่างไรก็ตาม เมื่อเวลาผ่านไป สัญลักษณ์ได้เปลี่ยนจากเครื่องหมายระบุตัวตนธรรมดาไปเป็นหนึ่งในแนวคิดที่ซับซ้อน กว้างขวาง และลึกซึ้งที่สุดของวัฒนธรรมศิลปะและปรัชญาโลก แก่นของสัญลักษณ์ไม่สามารถเข้ากับกรอบของโรงเรียน ทิศทาง สไตล์ ลักษณะใด ๆ ได้... มันเป็นการตัดต่อไดอะโครนิกทั่วไปของการพัฒนาวัฒนธรรมศิลปะของโลกทั้งโลกตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงปัจจุบัน

เป็นทิศทาง สัญลักษณ์ในทัศนศิลป์พัฒนาไปพร้อม ๆ กับสัญลักษณ์ในวรรณคดีในยุค 60-70 ศตวรรษที่ 19 ในยุคแห่งความเสื่อมโทรม อย่างไรก็ตามลักษณะเฉพาะของสัญลักษณ์ปรากฏขึ้นเร็วกว่ามาก: การยึดถือและภาพวาดทั้งหมดของยุคกลางมีลักษณะเชิงสัญลักษณ์ที่ลึกซึ้ง

ลวดลายหลักของสัญลักษณ์ในทัศนศิลป์คือแก่นนิรันดร์: ความตาย ความรัก ความทุกข์ทรมาน

สัญลักษณ์ของรัสเซียมีลักษณะพิเศษเฉพาะของตัวเองซึ่งเป็นเหตุการณ์สำคัญในประวัติศาสตร์วัฒนธรรมโลก การเกิดขึ้นของสัญลักษณ์ในรัสเซียเมื่อปลายศตวรรษที่ 19 ส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับกิจกรรมของกวีสัญลักษณ์อาวุโสและนักประชาสัมพันธ์ D. Merezhkovsky และ Z. Grippius; ส่วนหนึ่ง Valery Bryusov สัญลักษณ์ของ Merezhkovsky และ Grippius ประการแรกคือสัญลักษณ์คริสเตียนศาสนาและลึกลับความเข้าใจในสัญลักษณ์เป็นการกระทำของความรู้ของพระเจ้า

การก่อตัวของศิลปินยุคเงิน

อย่างไรก็ตาม ลัทธิสากลนิยมไม่เพียงแต่ประกอบด้วยความเชี่ยวชาญเฉพาะด้านเท่านั้น มันแสดงออกในความปรารถนาของศิลปินที่จะนำความคิดสร้างสรรค์มาสู่กรอบการทำงานที่แคบของความเชี่ยวชาญเฉพาะทางของเขา ประการแรกหัวข้อของงานอดิเรกอย่างต่อเนื่องของศิลปินในยุคเงินคือปรัชญา เราตระหนักดีว่าไม่เพียงแต่ข้อเท็จจริงที่ว่าคนสมัยใหม่ส่วนใหญ่มีการวิจารณ์งานศิลปะ งานด้านปรัชญา สุนทรียศาสตร์ และปรัชญาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงลักษณะทางปรัชญาและแนวความคิดของเนื้อหาของงานศิลปะด้วย ซึ่งเราจะต้องจัดประเภทเป็น ศิลปินนักคิดเชิงปรัชญา

ดังนั้นประสบการณ์ของยุคโบราณในวัฒนธรรมและสำหรับศิลปินจึงถูกซ้อนทับกับความพยายามของศิลปะสมัยใหม่ที่จะเจาะเข้าไปในช่องที่ลึกที่สุดของโลกภายในของมนุษย์ ศิลปินแห่งยุคเงินได้ก่อตัวขึ้นด้วยความรู้สึกพิเศษและความตระหนักเป็นพิเศษในปัจจุบัน

สัญลักษณ์ในรัสเซียเกิดขึ้นในช่วงสามช่วงเวลา:

ช่วงที่สองจำกัดอยู่ที่ 1900-14 - ความมั่งคั่งของขบวนการสัญลักษณ์ในวรรณคดี โรงละคร และศิลปะพลาสติก เมื่อ Vrubel, Borisov-Musatov ปรมาจารย์แห่ง "World of Art" และเยาวชนของ "Blue Rose" สร้างขึ้นและเมื่อหลักการของสัญลักษณ์มีเอกลักษณ์เฉพาะ ดำเนินการในผลงานของเปรี้ยวจี๊ดรัสเซียยุคแรก

พวกเขามีโอกาสสร้างผลงานในยุคเงินและไม่จำกัดอยู่เพียงรูปแบบศิลปะทั่วไป ศิลปินเหล่านี้แต่ละคนมีความสามารถและเป็นต้นฉบับในแบบของเขาเอง และโอกาสที่จะได้ลองใช้ความสามารถใหม่นี้ดูน่าสนใจมาก บางทีนั่นอาจเป็นเหตุผลว่าทำไมชุดการแสดงละครและทิวทัศน์ในสมัยนั้นจึงเต็มไปด้วยบรรยากาศที่น่าเหลือเชื่อและเวทมนตร์พิเศษบางอย่าง

Mstislav Dobuzhinsky

Mstislav Dobuzhinsky ได้รับคำสั่งการแสดงละครครั้งแรกจาก Moscow Art Theatre และจุดเริ่มต้นของกิจกรรมของเขาในด้านนี้มีความเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับ Konstantin Stanislavsky ผู้กำกับผู้ยิ่งใหญ่ไม่ได้เพียงแต่ประกาศความคิดของเขา แต่ยังสั่งสอนศิลปินรุ่นเยาว์ พยายามถ่ายทอดวิสัยทัศน์ของเขาเกี่ยวกับการออกแบบการแสดงนี้หรือการแสดงนั้นให้เขาฟัง

ที่โรงละครศิลปะมอสโก Mstislav Dobuzhinsky ได้ออกแบบ A Month in the Countryside, Freeloader, Where It Breaks Subtly และ Provincial Girl โดย Turgenev, Nikolai Stavrogin และหมู่บ้าน Stepanchikovo โดย Dostoevsky ที่ โรงละครบอลชอยเขารับผิดชอบงานด้านศิลปะ และหลังจากย้ายถิ่นฐาน เขาได้ออกแบบการแสดงโอเปร่าในเคานัส รวมถึงดอนฮวน, บอริส โกดูนอฟ, ปากลิอัคชี และราชินีแห่งโพดำ ต่อมาได้ร่วมออกแบบการแสดงที่ลอนดอน ปารีส และสหรัฐอเมริกา โดยย้ายไปอยู่ที่ ปีที่แล้วชีวิต.

คอนสแตนติน โคโรวิน

เขาเริ่มต้นอาชีพการแสดงละครที่โอเปร่าของ Savva Mamontov ซึ่งเขาทำงานมา 15 ปี โดยสามารถออกแบบการแสดงได้มากกว่าสิบเรื่องและได้รับชื่อเสียงในฐานะนักออกแบบเวทีที่มีความสามารถ

"The Merry Wives of Windsor", "Aida", "Lakme" - ผลงานของศิลปินในโปรดักชั่นเหล่านี้สมควรได้รับการยกย่องอย่างสูงสุดจากนักวิจารณ์ ต่อมา Konstantin Korovin ได้สร้างการออกแบบสำหรับโรงละคร Bolshoi และ Mariinsky และในปารีสเขาสามารถเซอร์ไพรส์แม้กระทั่งผู้ชมละครที่เอาแต่ใจที่สุดด้วยการออกแบบที่น่าทึ่งของละครเรื่อง "Prince Igor" ที่ Russian Opera

Alexander Golovin

ศิลปินรับใช้ที่โรงละคร Bolshoi ทำงานให้กับ Russian Seasons ของ Diaghilev ที่โรงละคร Mariinsky และที่โรงละครศิลปะมอสโก ในเวลาเดียวกัน เขาทำงานในสไตล์ของตัวเอง ไม่เคยเริ่มพัฒนาฉากตั้งแต่ฉากแรก เลือกที่จะวาดตอนจบหรือตรงกลางก่อน นอกจากนี้ศิลปินไม่ทราบวิธีทำงานกับผู้ช่วย แต่ทำทุกอย่างด้วยตัวเอง

Vasily Polenov

การแสดงได้รับการออกแบบโดย Vasily Polenov ศิลปินและนักการศึกษาชาวรัสเซียที่โดดเด่น ส่วนใหญ่เขาทำงานให้กับ Private Opera ของ Savva Mamontov และหลังจากนั้นเขาก็จัดโรงละครของตัวเอง สำหรับเขาแล้ว เขาไม่เพียงแต่ออกแบบฉากและเครื่องแต่งกายเท่านั้น แต่ยังแสดงร่วมกับเด็กๆ และชื่นชมคนที่มีความสามารถซึ่งมาจากครอบครัวชาวนา

Lev Bakst

ส่วนใหญ่ ศิลปินชื่อดังออกแบบการแสดงในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและปารีส ทำงานในโรงละคร Alexandrinsky และ Hermitage สร้างเครื่องแต่งกายและทิวทัศน์สำหรับฤดูกาล Russian Seasons ของ Diaghilev โดยเฉพาะอย่างยิ่งชอบกระบวนการทำงานเกี่ยวกับเครื่องแต่งกาย ถ้าฉันพูดได้ เขารู้สึกได้ถึงสีสัน สำหรับเขา ทุกเงาเศร้าหรือบริสุทธิ์ เต็มไปด้วยความสิ้นหวัง ชัยชนะ หรือความภาคภูมิใจ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ชุดบนเวทีหลายชุดของเขาสะท้อนให้เห็นในยุคนั้น

Nicholas Roerich

ศิลปินเริ่มอาชีพการแสดงละครในช่วงต้นปี 2450 ด้วยการเล่น "Three Wise Men" สำหรับโรงละครเก่าในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก แม้จะล้มเหลวในการผลิตเอง ฉากสำหรับบทละครได้รับการตอบรับอย่างดีจากนักวิจารณ์ ต่อมา Nicholas Roerich ได้พัฒนาการออกแบบสำหรับ Russian Seasons ของ Diaghilev ซึ่งชื่นชมศิลปินอย่างมาก และนักวิจารณ์ชาวปารีสก็พูดอย่างกระตือรือร้นเกี่ยวกับทิวทัศน์ของ Roerich และสังเกตเห็นความถูกต้องทางประวัติศาสตร์ของพวกเขาโดยปราศจากความซ้ำซากจำเจ

Viktor Vasnetsov

Viktor Mikhailovich ไม่ได้ทำงานให้กับโรงละคร แต่มีเพียงภาพร่างของเขาสำหรับ The Snow Maiden ของ Ostrovsky เท่านั้นที่เป็นการปฏิวัติในการออกแบบเวทีในเวลานั้น ในเวลาเดียวกันศิลปินเองก็เล่นซานตาคลอสในการแสดงนี้ใน Abramtsevo และกับเขา Ilya Repin ก็ปรากฏตัวบนเวทีในรูปของโบยาร์ Bermyata และ Savva Mamontov ในรูปของ Berendey
ต่อจากนั้นศิลปินได้ทำซ้ำฉากและเครื่องแต่งกายแบบเดียวกัน แต่มีอยู่แล้วในมอสโกโอเปร่าแห่ง Savva Mamontov จากนั้นนักวิจารณ์ก็สังเกตเห็นความคิดริเริ่มของรูปแบบและเครื่องประดับรัสเซียโบราณที่ศิลปินสร้างขึ้นใหม่

อีวาน บิลิบิน

โดยส่วนใหญ่แล้ว Ivan Bilibin เป็นนักวาดภาพประกอบหนังสือ ในขณะที่เขาเชี่ยวชาญด้านมหากาพย์และเทพนิยายของรัสเซีย การออกแบบชุดบัลเล่ต์ "Russian Dances" ทำให้เขาประทับใจมากจนผลงานของเขาทำให้ศิลปินพอใจ อย่างไรก็ตาม ผลงานละครแต่ละชิ้นของเขา ไม่ว่าจะเป็น "Fuente Ovehunu" สำหรับโรงละครโบราณหรือ "Boris Godunov" สำหรับโรงละคร Champs Elysees นั้นมีความโดดเด่นด้วยความคิดริเริ่ม ความกล้าหาญ และความงามที่บริสุทธิ์บางอย่าง

อเล็กซานเดอร์ เบนัวส์

เขาเริ่มทำงานที่โรงละครเฮอร์มิเทจ จากนั้นจึงออกแบบการแสดงสำหรับ โรงละคร Mariinskyและในยุโรปเขามีชื่อเสียงด้วยการออกแบบโปรดักชั่นสำหรับ Russian Seasons ของ Diaghilev ในเวลาเดียวกัน ผู้ร่วมสมัยหลายคนตั้งข้อสังเกต: ความหลงใหลในศิลปินเพียงอย่างเดียวคือศิลปะซึ่งเขาพร้อมที่จะยอมจำนนด้วยความกระตือรือร้นในธรรมชาติของเขา อาจเป็นเพราะฉากและเครื่องแต่งกายที่สร้างขึ้นโดยเขาด้วยเหตุนี้เองที่มีชีวิตชีวาและเย้ายวน

Sergei Sudeikin

Sergey Sudeikin เริ่มกิจกรรมการแสดงละครด้วยความร่วมมือกับ Savva Mamontov Alexander Blok หลังจากดู "Sister Beatrice" ที่ตกแต่งแล้วตาม Maeterlinck เขียนเกี่ยวกับผลกระทบของทิวทัศน์และเครื่องแต่งกายที่มีต่อผู้ชม ฉากนี้เบ่งบานด้วยความมหัศจรรย์อย่างแท้จริงและถ่ายทอดความรู้สึกและอารมณ์ของผู้แต่งได้อย่างเต็มที่ อย่างไรก็ตามการแสดงแต่ละครั้งในการสร้างสรรค์ที่ศิลปินเข้าร่วมนั้นเต็มไปด้วยปาฏิหาริย์นี้

Savva Mamontov สำหรับศิลปินหลายคนกลายเป็นคนที่เปิดประตูให้พวกเขา โลกเวทมนตร์โรงภาพยนตร์. และโดยทั่วไปแล้วเขาเป็นหนึ่งในบุคคลที่โดดเด่นที่สุดของปลายศตวรรษที่ XIX

ละคร "ลุง Vanya" บนเวทีมอสโกอาร์ตเธียเตอร์

ภาพจาก 1899

การแสดงละครของเชคอฟในปี 2439 ไม่ประสบความสำเร็จ: การผลิตครั้งแรกของ The Seagull เป็นความล้มเหลวดังก้องบนเวทีของโรงละคร Alexandrinsky ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เพื่อความสำเร็จ เขาต้องการเขา เช่นเดียวกับโรงละครแห่งใหม่ต้องการเขา อีกสองปีต่อมา Stanislavsky และ Nemirovich-Danchenko เปิดโรงละครมอสโกสาธารณะซึ่งละทิ้งวิธีการดั้งเดิม: พวกเขาถูกแทนที่ด้วยจิตวิทยาและต้องมีงานใหม่ ในเดือนธันวาคม พ.ศ. 2441 นกนางนวลได้สร้างชื่อเสียงให้กับทั้งโรงละครและเชคอฟ Drama-turg กลายเป็นสัญลักษณ์ของมอสโกอาร์ตเธียเตอร์: ในปีหน้า Stanislavsky สวม "Uncle Vanya" จากนั้น "Three Sisters" และ " สวนเชอร์รี่". บทบาทหลักของผู้หญิงเล่นโดย Olga Knipper ตั้งแต่ปี 1901 - ภรรยาของ Chekhov

วิกิมีเดียคอมมอนส์

ภาพเหมือนของ V.Y. Bryusov

วาดโดย มิคาอิล วรูเบล พ.ศ. 2449

ในปี พ.ศ. 2437 กวีหนุ่ม Valery Bryusov ได้ตีพิมพ์บทกวี "Russian Symbolists" ซึ่งเป็นแถลงการณ์ ในคำนำเขาเขียนว่าจุดประสงค์ของสัญลักษณ์คือการจับภาพอารมณ์ที่ละเอียดอ่อนเพื่อถ่ายทอดความรู้สึกที่คลุมเครือและคำใบ้ ตามกวี ศิลปินยังหันไปใช้สัญลักษณ์ โดยเฉพาะมิคาอิล วรูเบล เขาจะรับหน้าที่วาดภาพเหมือนของบรีซอฟในบั้นปลายชีวิตของเขา และจะไม่มีวันเสร็จเพราะความเจ็บป่วย บรีซอฟเองจะพูดในภายหลังว่าตลอดชีวิตของเขาที่เขาพยายามจะเป็นเหมือนภาพนี้

สถานะ Tretyakov Gallery

“ทหาร เด็กผู้กล้า สง่าราศีของคุณอยู่ที่ไหน”

ภาพวาดโดย Valentin Serov ค.ศ.1905

เมื่อวันที่ 9 (22) ม.ค. ค.ศ. 1905 คนงานในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งหยุดงานประท้วงมาเกือบสัปดาห์ได้ไปที่พระราชวังฤดูหนาวพร้อมกับยื่นคำร้องเรียกร้องให้มีการประชุมสภาร่างรัฐธรรมนูญ ผู้ประท้วงที่ไม่ใช้อาวุธถูกยิง ซึ่งเป็นแรงผลักดันให้เกิดการปฏิวัติรัสเซียครั้งแรก และวันนี้ก็ตกลงไปในประวัติศาสตร์ในชื่อ Bloody Sunday Valentin Serov เฝ้าดูการสลายของผู้ประท้วงจากหน้าต่างของ Academy of Arts ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก หลังจากเหตุการณ์เหล่านี้ ในการประท้วง เขาได้ลาออกจากสถาบันการศึกษา ซึ่งประธานาธิบดีซึ่งเป็นลุงของจักรพรรดิคือ แกรนด์ดุ๊ก วลาดิมีร์ อเล็กซานโดรวิช ผู้ปราบปรามเหตุการณ์ความไม่สงบเป็นการส่วนตัว

พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

"ภาพเหมือนกลุ่มศิลปินในสังคม" World of Art ""

จิตรกรรมโดย Boris Kustodiev 1920

Boris Kustodiev ตัดสินใจวาดภาพเหมือนของเพื่อนและคนที่มีความคิดเหมือนๆ กัน ไม่นานหลังจากการประชุมก่อตั้ง World of Art ในปี 1910 นี่เป็นองค์ประกอบที่สองของโลกแห่งศิลปะแล้ว: ความมั่งคั่งของยุคแรก "คลาสสิก" ลดลงในปี พ.ศ. 2441-2447 เมื่อ Alexander Benois และ Sergei Diaghilev ได้ประกาศการปฏิเสธการศึกษาเชิงวิชาการและการค้นหาแรงบันดาลใจในวิชาที่ห่างไกล อดีต. ด้วยความเร่งรีบในการจับภาพ "โลกแห่งศิลปะ" ในประวัติศาสตร์ Kustodiev วาดภาพบุคคลเป็นรายบุคคลก่อน และต่อมาวางแผนที่จะรวมภาพเหล่านั้นเป็นผืนผ้าใบขนาดมหึมา เขาสามารถสร้างภาพเหมือนกลุ่มหลังการปฏิวัติ ในภาพจากซ้ายไปขวาในพื้นหลัง: Igor Grabar, Nicholas Roerich, Eugene Lansere, Ivan Bilibin, Alexander Benois, Georgy Narbut, Nikolai Milioti, Konstantin Somov, Mstislav Dobuzhinsky; ในเบื้องหน้า: Boris Kustodiev, Anna Ostroumova-Lebedeva, Kuzma Petrov-Vodkin

พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

การออกแบบเครื่องแต่งกายสำหรับ Iskander (Vaclav Nijinsky) สำหรับบัลเล่ต์ "Peri"

วาดโดย Leon Bakst พ.ศ. 2454

ในปี 1906 ผู้ประกอบการ Sergey Diaghilev ได้จัด Russian Seasons เป็นครั้งแรก - เขานำภาพวาดมาที่ปารีส ศิลปินรัสเซีย. หลังจากประสบความสำเร็จอย่างไม่น่าเชื่อ เขาได้จัดทัวร์นักประพันธ์เพลง และในปี 1909 ถึงคราวที่จะมาถึง เครื่องแต่งกายและทิวทัศน์ที่สดใสและแปลกตาถูกสร้างขึ้นตามแบบร่างของ Leon Bakst และ Alexandre Benois ศิลปิน World of Art Diaghilev กล่าวถึงนักประพันธ์เพลงและนักเต้นรุ่นเยาว์ และสาธารณชนชาวปารีสต้อนรับ Mikhail Fokine, Ida Rubinstein และ Vaslav Nijinsky อย่างกระตือรือร้น เพลงสำหรับบัลเล่ต์ "Peri" เขียนโดย Paul Dukas บทบาทของ Iskander ได้รับมอบหมายให้ Nijinsky แต่การผลิตจะไม่เกิดขึ้นในองค์ประกอบนี้เนื่องจากความขัดแย้งภายใน ฤดูกาลของ Diaghilev จะดำเนินต่อไปจนกระทั่งผู้ประกอบการเสียชีวิตในปี 2472 และบัลเล่ต์จะกลายเป็นหนึ่งในสัญลักษณ์ของวัฒนธรรมรัสเซีย

พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน

"ภาพเหมือนตนเองและภาพเหมือนของ Pyotr Petrovich Konchalovsky"

ภาพวาดโดย Ilya Mashkov พ.ศ. 2453

ในปี 1910 นิทรรศการชื่อ "Jack of Diamonds" เปิดขึ้นในมอสโก - และในทันที ภาพวาดโดย Ilya Mashkov, Pyotr Konchalovsky, Aristarkh Lentulov เต็มไปด้วยสุนทรียศาสตร์ที่หยาบคายและแปลกประหลาดทั้งในรูปแบบและเนื้อหา ในศูนย์กลางของนิทรรศการและเรื่องอื้อฉาวคือผืนผ้าใบของ Mashkov ซึ่งเขาวาดภาพตัวเองและ Konchalovsky ในฐานะนักมวยปล้ำครึ่งตัว บนชั้นวางหนังสือที่มุมบนซ้ายมีโวลุ่มที่มีข้อความว่า "เซซาน" - สำหรับ "แจ็คของเพชร" เขาเป็นไอดอลหลัก ในปีต่อมา สมาคมศิลปะที่มีชื่อเดียวกันได้ถูกสร้างขึ้น แต่ผู้จัดงานนิทรรศการบางคน รวมถึง Mikhail Larionov ซึ่งเป็นผู้คิดค้นชื่อนี้ จะไม่เข้าร่วมในนิทรรศการนี้อีกต่อไป กระแสน้ำในช่วงเวลานี้เข้ามาแทนที่ด้วยความเร็วที่เหลือเชื่อศิลปินของ "Donkey's Tail" เป็นปฏิปักษ์กับ "แจ็คของเพชร" พวกลัทธิฟิวเจอร์สโต้เถียงกันและฝ่ายตรงข้ามถูกกล่าวหาว่าเป็นนักวิชาการ

พิพิธภัณฑ์รัฐรัสเซีย

การออกแบบเครื่องแต่งกายสำหรับโอเปร่า "ชัยชนะเหนือดวงอาทิตย์"

ภาพวาดโดย Kazimir Malevich พ.ศ. 2456

ตั้งแต่ปี 1910 เมื่อ Velimir Khlebnikov และ David Burliuk ตีพิมพ์คอลเลกชั่น "The Garden of Judges" พวกแห่งอนาคตได้สร้างความตกใจให้กับสาธารณชน นักเขียน และนักวิจารณ์อย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย ในปี 1913 พวกเขาสร้างสรรค์ผลงานที่รวมกวี ศิลปิน และนักประพันธ์เพลงเข้าด้วยกัน - โอเปร่า Victory over the Sun Aleksey Kruchenykh และ Velimir Khlebnikov เขียนบท (“เสียงนกหวีดชวนฝันขององคชาตจะเติมเต็มการไตร่ตรอง”) Mikhail Matyushin แต่งเพลงที่ไม่สอดคล้องกัน และ Kazimir Malevich วาดภาพทิวทัศน์ โอเปร่าประกาศ แนวคิดหลักนักอนาคตศาสตร์: Budtlyane (นั่นคือพวกลัทธิอนาคต) เอาชนะดวงอาทิตย์ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของทุกสิ่งที่คุ้นเคยเก่าและสวยงามทั้งหมดซึ่งดูเหมือนไม่สั่นคลอน

วิกิมีเดียคอมมอนส์

"คดีฮีโร่ของ Kozma Kryuchkov"

วาดโดย Dmitry Moor ภาพพิมพ์หินของสมาคม I. D. Sytin พ.ศ. 2457

Cossack Kozma Kryuchkov กลายเป็นวีรบุรุษรัสเซียคนแรกของสงครามโลกครั้งที่หนึ่งหลังจากที่ทั้งสี่คนโจมตีทหารม้าเยอรมัน 27 นายที่ชายแดนและเอาชนะศัตรู Cossacks ทั้งหมดได้รับรางวัลไม้กางเขนของ St. George และ Kryuchkov ผู้ซึ่งฆ่าชาวเยอรมัน 11 คนยังคงเป็นสัญลักษณ์ของความกล้าหาญของชาติมาเป็นเวลานาน: เขาถูกเขียนถึงในหนังสือพิมพ์อย่างต่อเนื่องภาพของเขายังประดับประดาด้วยขนม Heroic ในช่วงสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง เขาได้รับอีกเหรียญเซนต์จอร์จครอสและเหรียญ "เพื่อความกล้าหาญ" สองเหรียญ และเสียชีวิตในปี 2462 ระหว่างการจลาจลของดอนคอสแซคกับพวกบอลเชวิค

คำบรรยายภาพ:
“ 4 คอสแซค - Kozma Kryuchkov, Astakhov, Ivankov, Shchegolkov - ขับ 27 ทหารม้าเยอรมัน ...<…>ภาพแสดงให้เห็นว่า Kozma the Bogatyr แทงชาวเยอรมันบนยอดเขาอย่างไร และให้นั่งเหมือนต้นไม้ กลับบ้านพร้อมกับฟืนดีกว่า”

ภาครัฐ ห้องสมุดประวัติศาสตร์รัสเซีย

พระบรมวงศานุวงศ์ดูแลผู้บาดเจ็บในสงครามโลกครั้งที่หนึ่ง

ภาพจากอัลบั้มตระกูล Romanov 2457-2458

ตั้งแต่ช่วงเริ่มต้นของสงครามโลกครั้งที่ 2 ราชวงศ์ได้พยายามแสดงให้เห็นว่าพวกเขากำลังประสบกับความยากลำบากพร้อมกับเรื่องของพวกเขา จักรพรรดินิโคลัสที่ 2 ปรากฏตัวในที่สาธารณะในชุดเครื่องแบบสุภาพเรียบร้อย และแกรนด์ดัชเชสและจักรพรรดินีอเล็กซานดรา เฟโอโดรอฟนาช่วยผู้บาดเจ็บในโรงพยาบาลในฐานะพี่น้องแห่งความเมตตา การโฆษณาชวนเชื่อของรัฐเน้นย้ำการมีส่วนร่วมของราชวงศ์ในชีวิตของทหารธรรมดาอย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย อย่างไรก็ตาม ทุกปีของสงคราม พวกเขาพูดถึงบุคคลที่ออกัสซั่มมากที่สุด การแต่งกายของน้องสาวแห่งความเมตตาไม่ได้ช่วย Alexandra Feodorovna จากข่าวลือเกี่ยวกับความสัมพันธ์ของเธอกับรัสปูตินและการจารกรรมเพื่อสนับสนุนเยอรมนี

Beinecke Rare Book & ห้องสมุดต้นฉบับ

นกอินทรีสองหัวที่ถอนแล้ว

ภาพถ่ายจากปี 1917

ในเดือนมีนาคม พ.ศ. 2460 ราชาธิปไตยของรัสเซียล่มสลาย - Nicholas II สละราชบัลลังก์และส่งต่ออำนาจไปยังรัฐบาลเฉพาะกาล สัปดาห์แรกของชีวิตที่ปราศจากซาร์ได้ผ่านไปภายใต้สัญลักษณ์ของการกำจัดสัญลักษณ์ของระบอบการปกครอง: ภาพเหมือนของจักรพรรดิและครอบครัวของเขาถูกเผาที่เสาเข็มนกอินทรีสองหัวและมงกุฎถูกล้มลงจากรั้วและอาคาร